Pintar o Sete

Cinemascópio: Ciclo "Uma Cidade… Santa como as outras" - Hoje, 6ª feira: Feios, Porcos e Maus, de Ettore Scola

2010-05-28T18:23:00.004+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Uma Cidade… Santa Como as Outras

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 28 Maio.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras
Rua de Almada, nº443
Porto

ENTRADA LIVRE

Feios, Porcos e Maus
Brutti, Sporchi e Cattivi

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pintar.sete@gmail.com

http://maria-vai-com-as-outras.blogspot.com/

Cinemascópio: Ciclo "Uma Cidade… Santa como as outras" - Próxima 6ª feira, 28 de Maio: Feios, Porcos e Maus, de Ettore Scola

2010-05-26T13:16:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Uma Cidade… Santa Como as Outras

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 28 Maio.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras
Rua de Almada, nº443
Porto

ENTRADA LIVRE

Feios, Porcos e Maus
Brutti, Sporchi e Cattivi

Realizador: Ettore Scola

Com: Nino Manfredi, Francesco Anniballi, Linda Moretti, Maria Bosco, Giselda Castrini, Alfredo D'Ippolito, Marclla Michelangeli, Zoe Incrocci, Giancarlo Fanelli

Duração: 115 min.

Idade: M/16

Género: Comédia/Drama

País de Origem: Itália

Ano: 1976, P/B

SINOPSE

Giacinto Mazzatella (Nino Manfredi), um ex-operário que recebeu um milhão de liras de indemnização após ter perdido um olho num acidente de trabalho, mora com a esposa, os dez filhos e vários parentes, numa barraca de um bairro degradado da periferia de Roma. Movido pelo egoísmo e pela avareza, esconde o dinheiro que recebeu do seguro e, com medo que alguém o roube, dorme abraçado a uma caçadeira obrigando os outros (mais de 20) a comer, dormir e fazer sexo na mesma divisão da barraca. A situação complica-se quando Giacinto leva para 'casa' uma prostituta e começa a gastar o dinheiro comprando-lhe presentes.
Neo-realismo, sarcasmo, sátira trágico-cómica, com ritmos cruelmente grotescos, "Feios, Porcos e Maus" releva as condições degradantes da vida humana num retrato ímpar da miséria, egoísmo, mentira, promiscuidade, traição, incesto e violência.

http://www.dvdpt.com/f/feios_porcos_e_maus.php

“A arte do cómico, segundo Ettore Scola, é a arte do paradoxo: ao carregar os traços dos personagens, torna mais claros os seus espíritos; ao mostrar o seu comportamento aberrante e obscuro, faz emergir a sua tragédia individual; ao fazê-los viver na podridão, exalta a sua pureza. Se os pobres mendigos de «Milagre em Milão» encontram esperanças numa dimensão metafísica, no limite quase religiosa, os deserdados de Scola são empurrados até aos seus próprios sonhos, medíocres repetições de imagens publicitárias, simbolizando modestas aspirações à sua consumação.
O filme é percorrido por longas panorâmicas circulares, sobre o lúgrube interior da barraca à noite, sobre o bairro de lata, sobre os jovens motards que fazem círculos à volta dos buracos da rua, que sublinham a impossibilidade de saírem desta condição de marginais. Outras figuras de estilo, como a bela tempestade que surge durante a refeição do envenenamento, sob uma luz baixa e um vento forte, fazem passar o filme do naturalismo negro ao fatalismo expressionista. (...) Scola não procura nem o documentário, nem a denúncia explícita. Podíamos mesmo «acusá-lo» de ter, em certo sentido, de lhe retirar rigor histórico, «desprovincializando» o seu microcosmos de bairro de lata para melhor mostrar a essência universal da dor.A dor faz rir, e não é seguramente uma constatação original. O difícil é, como aqui, medir com destreza a libertação do riso mais compulsivo, sem que se produza uma deriva (e portanto uma ocultação) da temática que lhe serve de
inspiração. Ettore Scola não apenas não cai nesta armadilha fatal a alguns cineastas, como evita também a tendência muitas vezes frequente noutros filmes de lançar homilias paternalistas entre dois risos. Ele afasta-se talvez, para os amadores de filmes de mensagem, para um tom excessivamente crú, para um excesso de desespero. Para nós, é mais uma recuperação directa, um rejuvenescimento da mesma semente do cómico popular, que nunca é consolador nem optimista.
Um dos picos do filme é o gigantesco Nino Manfredi: anti-Gepetto por excelência, o seu velho Giacinto está entre as mais memoráveis criações de actores do cinema italiano.
As duas saídas em massa da família de «Feios, Porcos e Maus», para o baptismo e para a pensão da avó, são postas em cenas como invasões dum território estrangeiro para os deserdados. Até quando as suas lutas intestinas retardarão a sua invasão definitiva?

Lorenzo Cordelli
Positif, Jan'77”

http://www.cineclubeguimaraes.org/filme.php?id=2482

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Cinemascópio: Ciclo "Uma Cidade… Santa como as outras" – Amanhã, 6ª feira: Mamma Roma, de Pier Paolo Pasolini

2010-05-20T22:49:00.002+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Uma Cidade… Santa Como as Outras

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 21 Maio.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras
Rua de Almada, nº443
Porto

ENTRADA LIVRE

Mamma Roma
La Mamma Roma

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Próxima sessão, dia 28 Maio 10: Feios, Porcos e Maus, de Ettore Scola

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Cinemascópio: Ciclo "Uma Cidade… Santa como as outras" - Próxima 6ª feira, 21 de Maio: Mamma Roma, de Pier Paolo Pasolini

2010-05-18T20:35:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Uma Cidade… Santa Como as Outras

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 21 Maio.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras

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Porto

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Mamma Roma

La Mamma Roma

Realizador: Pier Paolo Pasolini

Com: Anna Magnani / Ettore Garofolo / Franco Citti
Duração: 100 min.

Idade: M/16

Género: Drama

País de Origem: Itália

Ano: 1962, P/B

SINOPSE

Anna Magnani é Mamma Roma, uma prostituta de meia-idade que tenta libertar-se do seu sórdido passado em consideração ao seu filho. Filmado

na grande tradição do neo-realismo italiano, Mamma Roma oferece um olhar inflexível à luta pela sobrevivência na Itália do pós guerra, e demonstra o fascínio que, durante toda a sua vida, Pier Paolo Pasolini teve pelos marginalizados e desalojados.

Embora tenha sido banido por obscenidade quando estreou, Mamma Roma é hoje considerado um clássico, com a poderosa interpretação de uma das maiores actrizes do cinema e oferecendo um vislumbre do mais controverso realizador italiano no processo de encontrar o seu estilo único.

http://www.cm-azambuja.pt/NR/rdonlyres/595EA8F2-F6E0-48F4-99F6-AB5FD1A859A4/0/agenda23.pdf

“A Mãe Magnânima

Mamma Roma é um filme neo-realista italiano do realizador Pier Paolo Pasolini com a actriz Ana Magnani. O realizador, confesso que conheço mal. Já Magnani foi uma feliz descoberta do ano passado (para mim, claro). Vi-a em filmes como Roma, Cidade Aberta, Bellissima e A Comédia e a Vida e deu para perceber que se tratava de uma grande actriz. Aqui, não é excepção e o apetite também ficou aguçado em relação a Pasolini. Gosto muito de cinema italiano antigo. É, de facto, uma marca exclusiva no mundo e quanto mais a conheço mais gosto dela.

Em Mamma Roma, o tema das dificuldades económicas no pós-guerra repete-se, bem como o foco sobre as transformações que operam nas relações humanas tanto boas como más (a generosidade e a solidariedade, por um lado, a exploração e o oportunismo, por outro). Aqui, também há uma separação consciente e crítica entre o campo e a cidade. A senhora Roma (personagem principal interpretada por Magnani) não se cansa de classificar o campo como terra de incultos, que, no entanto, cultivam a terra e subsistem e sustentam o resto do país desse modo, ao passo que a cidade representa, para ela, um futuro melhor, se não para si, que é obrigada a prostituir-se para ganhar o tal futuro, pelo menos para o filho.

É nesta relação filial que o filme se baseia proporcionando uma visão romântica do papel de mãe que "até se crucificava pelo bem do filho" e do pobre rapaz frágil e sozinho que "toda a vida procurou alguém que o orientasse". Mas o que mais me agradou foram os geniais diálogos da Mamma Roma indo embora da rua à noite trocando de interlocutores à margem (aqui a palavra tem duplo sentido porque a cena afasta-se do leitmotiv do filme e vai para o mundo marginalizado da prostituição).

Num deles, a mãe cansada de ser magnânima sem retorno apresenta uma franca teoria da hereditariedade da pobreza e da delinquência com base na sua própria experiência. O primeiro marido foi preso no dia do casamento porque o pai era ladrão e a mãe um estafermo, e os pais da mãe e os pais do pai também já o eram e, assim, o modo de vida era fatal e não havia volta a dar-lhe.

Como no melhor do neo-realismo italiano, vemos em cerca de uma hora e meia de filme o desenrolar de uma esperança que teima em viver e animar os miseráveis até acabar por morrer e levar toda a vida com ela. De um modo filmado e interpretado directo. Com a nova Roma, a da reconstrução, em fundo.”

http://jazznapraia.blogs.sapo.pt/45172.html

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Cinemascópio: Ciclo "Uma Cidade… Santa como as outras" – Hoje, 6ª feira: Ladrões de Bicicletas, de Vittorio de Sica

2010-05-14T00:51:00.000+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Uma Cidade… Santa Como as Outras

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 14 Maio.2010 - 22H00

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Rua de Almada, nº443
Porto

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Ladrões de Bicicletas
Ladre de Biciclette

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Maria Vai Com As Outras

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Próxima sessão, dia 21 Maio 10: Mamma Roma, de Pier Paolo Pasolini

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Cinemascópio: Ciclo "Uma Cidade… Santa como as outras" - Próxima 6ª feira, 14 de Maio: Ladrões de Bicicletas, de Vittorio de Sica

2010-05-10T23:47:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Uma Cidade… Santa Como as Outras

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 14 Maio.2010 - 22H00

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Porto

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Ladrões de Biicletas
Ladri Di Biciclette

Realizador: Vittorio De Sica

Com: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Vittorio Antonucci
Duração: 85 min.
Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: Itália
Ano: 1948, P/B

SINOPSE
Roma. Anos duros do pós-guerra. Fome, miséria e desemprego. António Ricchi procura trabalho, qualquer um. Depois de muitas tentativas, surge-lhe um emprego como afixador de cartazes publicitários nas ruas de Roma. António sente-se feliz, assim como a mulher e o filho. No entanto, um dia um ladrão rouba-lhe a bicicleta. António fica desesperado porque sem ela não pode trabalhar. Está de tal maneira perdido que pede ajuda aos amigos e ao filho para recuperá-la.

http://www.dvdpt.com/l/ladroes_de_bicicletas.php

“LADRÕES DE BICICLETAS

Realizado em 1948 por Vittorio De Sica, "Ladri di Biciclette" é um marco cinematográfico, exemplo maior do "neo-realismo" italiano.
Drama italiano realizado em 1948 por Vittorio De Sica e interpretado por Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola e Lianella Carell, "Ladrões de Bicicletas" foi escrito por sete argumentistas (entre eles, o próprio realizador) a partir de uma história de Cesare Zavattini que adaptava um romance de Luigi Bartolini. É um verdadeiro clássico, autêntico símbolo da importante corrente cinematográfica que ficou conhecida por "neo-realismo", desenvolvida no período que se seguiu à Segunda Guerra Mundial.
O filme começa com uma sequência em que uma multidão espera pelos anúncios de emprego em frente a um departamento do governo, espera essa quase sempre infrutífera. Todavia, um desses desempregados, Antonio Ricci ( Lamberto Maggiorani ), é seleccionado para um trabalho que consiste em colocar Posters pela cidade. O grande problema é que o trabalho exige uma bicicleta e ele tinha acabado de vender a sua para conseguir sustentar a família por mais algum tempo. Sem outra hipótese, Antonio e a sua mulher Maria ( Lianella Carell ) regressam à loja de penhores para tentar recuperar a bicicleta, trocando-a por outros bens que ainda tinham. Tragicamente, logo no primeiro dia de trabalho, a bicicleta é roubada. Desesperado, Antonio começa a vasculhar toda a cidade com o seu filho Bruno ( Enzo Staiola ) em busca da preciosa bicicleta. É essa busca através dos mais variados locais que centraliza toda a narrativa do filme.
Com um ponto de partida quase banal, a história transforma-se rapidamente numa tocante viagem à condição humana e às necessidades básicas das pessoas. Filmado em exteriores na Itália do pós-guerra, com actores amadores, o filme baseia-se no suspense sobre o encontro da bicicleta, mas vai muito mais longe, tornando-se um conto sobre o desespero, a esperança, a perda e a redenção, recheado de sequências belíssimas que ficam para a História. Fazendo o retrato da sociedade italiana da época (com a crise económica, o desemprego, a miséria), o filme constitui também um canto ao fortalecimento dos laços entre um pai e um filho.
Estreado em Portugal a 20 de Novembro de 1950, "Ladrões de Bicicletas" obteve diversos prémios. Entre eles, destaca-se o Óscar para o Melhor Filme Estrangeiro (tendo sido também nomeado para Melhor Argumento)”

IN- http://www.edusurfa.pt/area.asp?seccao=1&area=5&artigoid=9734

“Ladrões de Bicicletas
de Vittorio de Sica

Na história do cinema mundial, o neo-realismo italiano apareceu como uma das correntes mais lancinantes do pós-guerra. Este tipo de classificações, como sabemos, pode prejudicar o olhar sobre uma obra. Não sendo especial adepto de ismos, prefiro esforçar-me por uma perspectiva atenta ao que num produto artístico haja de mais singular. A verdade é que existem certas obras que, para o bem e para o mal, acabam por se constituir como alicerces a partir dos quais atribuímos significado a um conceito. Ladrões de Bicicletas, estreado em 1948, é um desses exemplos que contribuiu, com o passar dos anos, para que o conceito de neo-realismo tivesse alguma consistência. Diz-se hoje ter sido essa uma escola datada, marcada pelo comprometimento político, resistindo à mediocridade das obras mais comerciais e, por consequência dessa postura, recorrendo a meios que tivessem sobretudo em atenção a mensagem que se pretendia fazer passar. Optava-se pela força da mensagem em detrimento do adereço. Não se julgue porém que este cinema prescindia dos seus ornamentos estéticos, podendo mesmo a sua ausência ser considerada uma mais valia ao serviço da tal mensagem. Assim, tanto a ausência de caracterização como um aparente desleixo na fotografia, podem hoje ser interpretados como ornamentos outros com propósitos muito específicos. Em Ladrões de Bicicletas tudo isso é primorosamente trabalhado em torno de uma história onde paira o fantasma do desemprego. Chegamos ao universal, ao sem tempo, ao intemporal. Em nada pode este filme ser considerado datado, se nos atentarmos ao que nele se vislumbra de mais trágico: a solidão dos homens num mundo onde a política é a do «salve-se quem puder». O problema do desemprego surge como excelente pretexto para se pensar essa condição última de: ser homem numa sociedade moderna. Mais que a pobreza física, o que ressalta neste filme é o desespero e a humilhação que advêm dessa mesma pobreza. Neste sentido, os desempregados de ontem não serão diferentes dos desempregados de hoje. Talvez já não necessitem de uma bicicleta para manterem um emprego, mas esse é apenas um pormenor narrativo que não esgota o alcance do filme. Um dos aspectos que sempre me impressiona neste filme é a frieza com que o italiano Vittorio de Sica aborda a questão. Os ladrões de bicicletas são pobres que roubam pobres, gente que em desespero se desune, se trai, se nega. Neste filme, o maior inimigo do pobre só é a pobreza na medida em que coloca os homens uns contra os outros. Ou seja, a verdadeira pobreza é a ausência de solidariedade, a solidão e o isolamento a que fica condenado aquele que já não pode esperar nada de ninguém. Como se a pobreza transformasse a confiança num inimigo. Num tempo de arrivismos insidiosos, faz todo o sentido continuar a rever uma obra assim. O problema hoje, mormente num dos mais pequenos e pobres países da Europa, não é outro senão o da desunião entre os que nada têm. Essa desunião que parte amiúde da perversidade com que os fortes metem os fracos a enxotarem-se uns aos outros. A mais intragável miséria de todas, creio, é essa. Pois só essa nos condena a sermos um nada absoluto.”

Publicada por hmbf ,
http://universosdesfeitos-insonia.blogspot.com/2006/07/os-filmes-4.html

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Cinemascópio: Ciclo Uma Cidade… Santa Como as Outras – Hoje, 6ª feira: Roma, Cidade Aberta, de Roberto Rossellini

2010-05-06T21:08:00.005+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Uma Cidade… Santa Como as Outras

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 07 Maio.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras
Rua de Almada, nº443
Porto

ENTRADA LIVRE

Roma, Cidade Aberta
Roma, Città Aperta

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Próxima sessão, dia 14 Maio 10: Ladrões de Bicicletas, de Vittorio De Sica

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Cinemascópio: Ciclo "Uma Cidade… Santa como as outras" - Próxima 6ª feira, 07 de Maio: Roma, Cidade Aberta, de Roberto Rosselini

2010-05-06T21:00:00.002+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Uma Cidade… Santa Como as Outras

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 07 Maio.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras
Rua de Almada, nº443
Porto

ENTRADA LIVRE

Roma, Cidade Aberta
Roma, Città Aperta

Realizador: Roberto Rossellini

Com: Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Vito Annichiarico, Nando Bruno, Harry Feist

Duração: 98 min.
Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: Itália
Ano:1945, P/B

SINOPSE

Roma, 1944. A cidade está ocupada pelos nazis e Giorgio Manfredi, um dos líderes da resistência, é perseguido pela Gestapo. Vai procurar o seu amigo Francesco e pede ajuda a Pina, a noiva deste e ao padre Don Pietro. Este ajuda-o a conseguir uma nova identidade para sair de Roma o mais rapidamente possível e arranja-lhe um lugar para se esconder. No entanto, Manfredi é traído pela sua namorada Marina e é preso pelos nazis...

http://www.dvdpt.com/r/roma_cidade_aberta.php

“Em quase todos os manuais de cinema, aponta-se “Roma Cidade Aberta” como o filme pioneiro do neo-realismo. Realizado por Roberto Rosselini em 1945, nos escombros da devastação da Segunda Guerra Mundial, “Roma Cidade Aberta” é um filme tão desconcertadamente imperfeito como a vida. Talvez por isso, a sua marca é tão forte na memória de quem tem, ainda hoje, o prazer de o ver e rever.
Bergman disse um dia que nos filmes de Rosselini “ninguém parecia um actor e ninguém falava como um actor. Havia escuridão e sombras, e às vezes não se ouvia, às vezes nem sequer se via. Mas a vida é assim… nem sempre vemos e ouvimos, mas sabemos, quase para além do que é inteligível, que qualquer coisa está a acontecer. É como se tivessem tirado as paredes das casas e das salas, e pudéssemos ver dentro delas. Mais ainda. É como se estivéssemos ali, envolvidos nos acontecimentos, a chorar e a sangrar por eles.” Em “Roma Cidade Aberta”, verifica-se tudo isto, como se o cinema descesse à rua e num registo tão naturalmente documental aquelas personagens de ficção se tornassem tão profundamente reais como qualquer um de nós, naquelas circunstâncias. O truque estaria, citando o próprio realizador, em “seguir um punhado de ideias básicas e construí-las durante o processo de trabalho, de modo a que as cenas surjam da inspiração directa da realidade”.
Essa inspiração directa da realidade, compreende-se em “Roma Cidade Aberta” como um exercício de busca pela verdade, pelos factos e somente os factos, e pelo drama das suas personagens perante essa realidade dos factos que se assumem na mais estrita verdade. Não há espaço para heróis, apesar da força de duas personagens centrais neste filme: o padre Don Pietro (Aldo Fabrizi) e Pina (Anna Magnani). Ambos, protagonizam essa exacerbação da verdade pela carga simbólica que cada uma dessas personagens acarreta. Ele, um símbolo da coragem e da perseverança na luta contra os ocupantes nazis; ela, a personificação do próprio povo de Roma, subjugado e sofrido pelos efeitos da repressão e da guerra. O sacrifício de ambos, em duas das sequências mais extraordinárias da história do cinema, vinca o poder da imagem em movimento na representação mais absoluta da realidade. “

Publicada por Frederico Bernardino em http://cinemaphotoblog.blogspot.com/2009/11/roma-cidade-aberta-de-roberto-rosselini.html

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Cinemascópio: Novo Ciclo Temático em Maio de 2010: Uma Cidade... Santa Como As Outras

2010-05-06T19:20:00.016+01:00

Caros Amigos,

Amanhã, sexta-feira, 7 de Maio, o Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos - inicia um novo ciclo, Uma Cidade... Santa Como As Outras

Será então esta a programação para Maio de 2010:

ENTRADA LIVRE

1. Roma, Cidade Aberta, de Roberto Rosselini - 7 de Maio

2. Ladrões de Bicicletas, de Vittorio De Sica - 14 de Maio

3. Mamma Roma, de Pier Paolo Pasolini - 21 de Maio

4. Feios, Porcos e Maus, de Ettore Scola - 28 de Maio

No

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Cinemascópio: Ciclo "Nos Quatro Cantos De Mim" - Sexta-feira, 30 de Abril: "APOCALYPSE NOW" de Francis Ford Coppola

2010-04-28T21:43:00.011+01:00

CINEMASCÓPIO - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo - Nos Quatro Cantos De Mim

Sessão - SEXTA-FEIRA, 30 DE ABRIL 2010 - 22H00

Maria Vai Com As Outras
Rua do Almada, 443
Porto

ENTRADA LIVRE

APOCALYPSE NOW

Realizador: Francis Ford Coppola

Elenco: Marlon Brando, Martin Sheen, Robert Duvall, Laurence Fishburne, Denis Hopper, Harrison Ford

Duração: 150 (aprox)

Género: Guerra, Acção, Drama

Idade: M/16

País: E.U.A.

Ano: 1979

Sinopse:

Através da loucura da Guerra do Vietname, o realizador oferece uma assombrosa visão dos aspectos mais sombrios do espírito humano.
O Tenente Willard (Martin Sheen) recebe ordens para procurar um renegado posto avançado militar, comandado pelo misterioso Coronel Kurtz (Marlon Brando). A missão de Willard é: "Exterminá-lo a qualquer custo". Um dos melhores filmes de todos os tempos, foi nomeado para oito Oscares da Academia, vencendo nas Categorias de Melhor Som e Melhor Fotografia.[...]

http://www.cineteka.com/

Uma Iniciativa: PINTAR O SETE - Cinema, Cidade e Cultura

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Cinemascópio: Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim - Próxima 6ª feira, 23 de Abril: O Leitor, de Stephen Daldry

2010-04-21T03:09:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 23 Abril.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras

Rua de Almada, nº443

Porto

ENTRADA LIVRE

O Leitor

The Reader

Realizador: Stephen Daldry

Com: Ralph Fiennes, Jeanette Hain, Kate Winslet, David Kross, Bruno Ganz
Duração: 125 min.

Idade: M/16

Género: Drama

País de Origem: ALE/EUA

Ano: 2008, Cor

SINOPSE

No final da Segunda Guerra Mundial, o jovem Michael Berg adoece e é tratado por uma bela e misteriosa mulher mais velha, Hanna (Kate Winslet). Quando os dois se reencontram, apaixonam-se e a relação intensifica-se à medida que Michael lê para Hanna obras clássicas. Mas Hanna volta a desaparecer. Oito anos depois, Michael (Ralph Fiennes) é aluno de Direito e acompanha os julgamentos dos crimes de guerra cometidos pelos nazis. É aí que descobre que a mulher que tanto amou escondia segredos que afectarão por completo a vida de ambos.

http://cinecartaz.publico.clix.pt/filme.asp?id=221930

“ O Leitor
Equilíbrio precário

Não temos certeza que seja um grande filme, mas sabemos que nos deixa a remoer

Por esta altura, já se percebeu como a adaptação por Stephen Daldry ("Billy Elliot", "As Horas") do romance de Bernhard Schlink, milimetricamente programada à distância para fazer boa figura nos Oscares, foi perseguida pela turbulência: Nicole Kidman começou por substituir Kate Winslet, comprometida com "Revolutionary Road", mas saltou fora quando as rodagens de "Austrália" se atrasaram, e Winslet entretanto livre regressou ao filme; o adolescente David Kross, sem experiência de representação, teve de aprender inglês (que não falava) e a produção teve de aguardar que ele chegasse à maioridade legal para arrancar com as filmagens; o director de fotografia Roger Deakins teve de abandonar as rodagens a meio para ir filmar "Dúvida", sendo substituido pelo mestre Chris Menges; os produtores, Anthony Minghella e Sydney Pollack, faleceram durante a produção; Daldry montou o filme a par com os ensaios da sua transposição para a Broadway da versão musical de "Billy Elliot", levando a um choque com os temidos irmãos Weinstein, co-produtores do filme; Scott Rudin, outro dos produtores, retirou o nome do filme na sequência (também aqui) de choques com os Weinstein...

Há um ditado inglês que, traduzido à letra, diz "demasiados cozinheiros estragam o prato", e com tanta confusão e turbulência de produção seria legítimo esperarmos um prato mal amanhado. Mas não foi nada disso que aconteceu: cerebral, meticulosamente pensado até ao ínfimo pormenor, a história do tórrido caso de Verão entre um liceal precoce e uma revisora de autocarros na Alemanha do pós-II Guerra Mundial - e do modo como os segredos do passado nazi vêm alterar "a posteriori" essa experiência - é um filme singularmente perturbante. Não porque haja aqui uma marca de realizador (e não há; antes um certo anonimato de "qualidade britânica") ou interpretações de estarrecer (mesmo que Kate Winslet seja maravilhosa, como sempre, embora no seu caso isso seja o mínimo que se possa esperar). Antes porque Daldry e o seu argumentista, o dramaturgo David Hare, fazem desta história de amor esquiva e profundamente equívoca uma meditação sobre a moral, a justiça, a vergonha, o passado, a História, o dever. Onde nunca nada é o que parece e tudo parece construído sobre areias movediças, numa sucessão de camadas que vão lentamente caindo, como uma flor malsã que só revela a sua natureza profunda depois de desabrochar por completo, mas sem escamotear que o que aqui se joga é, tudo, demasiadamente humano.

Reveladora, a esse nível, é a cena do julgamento em que Winslet faz a pergunta-chave que norteia todo o filme: "o que teria você feito? O que esperava que eu fizesse?" É um momento arrepiante que cristaliza aquilo de que "O Leitor" fala: do equilíbrio precário entre a luz e a escuridão, visto com a frieza decidida e distante do que poderia ser um filme ("tipicamente") alemão (e, de certa maneira, até o é; co-produção alemã, rodada na Alemanha com um elenco onde apenas Winslet, Ralph Fiennes e Lena Olin não são nativos).

Mas essa é apenas mais uma das ilusões de um filme que se esquiva a ser catalogado e está constantemente a mover o terreno debaixo dos pés do seu espectador. Não temos certeza que "O Leitor" seja um grande filme (há um final demasiado "certinho", por exemplo; há um requinte sem esforço que nos pergunta se há aqui de facto mais alguma coisa do que apenas uma adaptação de prestígio de um romance conhecido). Mas sabemos que nos deixa a remoer; e isso já é muito mais do que muitos grandes filmes contemporâneos conseguem.”

Por: Jorge Mourinha (PÚBLICO),
http://cinecartaz.publico.clix.pt/criticas.asp?id=221930&Crid=49&c=5057

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Cinemascópio: Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim – Hoje, 6ª feira: Taxi Driver, de Martin Scorsese

2010-04-16T14:52:00.002+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim

Taxi Driver

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 16 Abril.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras
Rua de Almada, nº443
Porto

ENTRADA LIVRE

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Próxima sessão, dia 23 Abril 10: O Leitor, de Stephen Daldry

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Cinemascópio: Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim - Próxima 6ª feira, 16 de Abril: Taxi Driver, de Martin Scorsese

2010-04-13T23:30:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 16 Abril.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras

Rua de Almada, nº443

Porto

ENTRADA LIVRE

Taxi Driver

Taxi Driver

Realizador: Martin Scorsese

Com: Robert De Niro, Jodie Foster, Albert Brooks, Harvey Keitel, Leonard Harris, Peter Boyle, Cybill Shepherd, Diahnne Abbott, Frank Adu, Gino Ardito, Victor Argo, Garth Avery

Duração: 109 min.

Idade: M/12

Género: Drama

País de Origem: EUA

Ano: 1976, Cor

SINOPSE

Este filme de Martin Scorcese é, sem dúvida, um dos mais aclamados da história do cinema. A acção decorre a altas horas da noite nas ruas de Nova Iorque. Um veterano da guerra do Vietname conduz um táxi e torna-se num homem solitário, cheio de frustrações e que estabelece uma relação com uma prostituta de catorze anos. A vida sórdida que testemunha, levam-no a actuar de forma violenta...

http://www.cineteka.com/index.php?op=Movie&id=010397

“Taxi Driver realizado por Martin Scorsese em 1976, é na minha opinião um marco na história do cinema mundial. Travis Bickle (Robert DeNiro) após ter regressado da guerra do Vietname, arranja emprego como taxista de Nova Iorque, cidade que espelha o reflexo da podridão latente numa sociedade heterogénea, desligada e governada por violência e negócios corruptos nas noites escuras, frias e degradadas.
Este filme retrata um estudo convincente e alarmando pela natureza do Vietname que se encontra viva na memória de Travis. Através do panorama que as noites e a sua rotina lhe apresenta vai-se revoltando cada vez mais com o lado degradante de uma cidade das maiores potências mundiais.
Ao longo do filme é intencional a visão crítica de Scorsese e o modo como uma sensação de aperto é transmitida aos espectadores através do protagonista - um veterano que esteve no Vietname a defender algo que acreditava e que após rotinas diárias se ia evaporizando com os sinais claros de uma America quase dissipada pelo vício, violência e prostituição.
A paciência de um homem tem limites e quando a fragilidade humana ultrapassa qualquer tipo de compreensão e tolerância, o ser humano encontra-se prestes a explodir. Esta detonação começa-se a desenhar ao longo do filme, preparando o espectador para um final de acção verdadeiramente intenso. Acompanhado por uma mudança radical de visual, Travis atinge os seus limites esgotando a sua fúria em momentos que até hoje retratam um dos finais mais marcantes da história do cinema de acção.

Taxi Driver não é, contudo, um filme fácil de digerir. A sua brutalidade visual expressa uma realidade perturbadora e por vezes incompreensível, complementado por diversas sequências de planos que permitem uma profundidade ampla no que respeita à sua contemplação visual. Neste filme, assistimos à consagração de um dos melhores actores da actualidade (apesar de ultimamente ter andado "perdido" em filme de géneros bem diferentes...) e ao nascimento de uma grande actriz a desempenhar o papel de uma prostituta.. Jodie Foster (na altura com 14 anos)!
Cru, intenso, brutal.. Taxi Driver foi, é e continuará a ser um verdadeiro ícone na história do cinema mundial!”

http://cinesphere.blogs.sapo.pt/arquivo/982111.html

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Cinemascópio: Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim – Hoje, 6ª feira: Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau

2010-04-09T03:23:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 09 Abril.2010 - 22H00

Cyrano de Bergerac

Contamos com a vossa presença hoje à noite, apareçam!

Próxima sessão, dia 16 Abril 10: Taxi Driver, de Martin Scorsese

Cinemascópio: Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim - Próxima 6ª feira, 09 de Abril: Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau

2010-04-07T00:03:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Nos Quatro Cantos de Mim

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 09 Abril.2010 - 22H00

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Rua de Almada, nº443
Porto

ENTRADA LIVRE

Cyrano de Bergerac
Cyrano de Bergerac

Realizador: Jean-Paul Rappenau

Com: Gerard Depardieu, Anne Brochet , Vincent Perez , Jacques Weber, Roland Bertin

Duração: 135 min.
Idade: M/12
Género: Drama , Romance
País de Origem: França
Ano: 1990, Cor

SINOPSE

Cyrano ama desde a infância a sua prima Roxanne, mas nunca teve a coragem de lhe declarar essa paixão. Ele julga-se desfigurado, devido ao seu longo nariz, e admite nunca poder vir a ser amado por uma mulher. Pelo seu lado, Roxanne, que nutre por Cyrano uma enorme simpatia, tem como ideal de homem a beleza e o espírito. Ao conhecer Christian, Roxanne apaixona-se por ele, mas este é tímido e não consegue manter uma relação normal com uma mulher. É então que Cyrano ajuda Christian, escrevendo-lhe longas e belas cartas de amor que vão tornar ainda maior a paixão de Roxanne por Christian. Só que Christian não vai aguentar por muito tempo esta situação e Roxanne vai então descobrir o autor de tão belas cartas de amor...

http://www.mooxuu.com/films/detail/13428/

“Continuando o périplo pessoal pelos cinco filmes que considero como "os filmes da minha vida", e depois de já ter opinado sobre "Drácula de Bram Stocker", eis que me proponho fazê-lo agora sobre este fenomenal filme de Jean-Paul Rappeneau: "Cyrano de Bergerac". Realizado em 1990, "Cyrano de Bergerac" é uma adaptação da peça de Edmond Rostand (1868-1918), dramaturgo e poeta francês, que levou a peça pela primeira vez à cena em 1897 no teatro de la Porte-Saint-Martin em Paris. Edmond Rostand criou esta peça inspirando-se em Savinien Cyrano de Bergerac, nascido em 1619 em Perigod. Conhecido pela sua agressividade, arrogância, fanfarronice e valentia, ficou igualmente famoso pelo comprimento anormal do seu nariz que, como ele próprio afirmava "é uma península". Já depois de ter saído do exército, onde é ferido em combate no cerco de Arras, Cyrano dedica-se às ciências e à literatura. Escreve tragédias, comédias e romances. Orgulhoso, eloquente, livre pensador, era respeitado pela sua elevada inteligência e pelo seu gosto por duelos, a maioria dos quais devido a insultos proferidos ao seu desmesurado nariz. Da obra que deixou, salientam-se duas delas em prosa onde descreve viagens à Lua e ao Sol, ambas publicadas postumamente e que lhe trouxeram fama de visionário, um género de antecessor de Júlio Verne. Por tudo isso, já se pode ver que Cyrano foi uma figura de relevo na cultura francesa e a peça de Rostand serviu para o dar a conhecer ao mundo, tornando o seu nome imortal. Sobre o filme: Antes de focar seja o que for, saliento o facto de o filme ser todo em poesia, ou seja, a estrutura dos diálogos e dos monólogos são construídos em verso, é simplesmente uma poema gigantesco, todo ele meticulosamente construído, onde vão desfilando os personagens e os acontecimentos. Sec. XVIII, Cyrano de Bergerac, poeta e soldado, respeitado por todos e idolatrado por alguns, é um homem triste que disfarça esse sentimento escondendo-se debaixo de uma capa de arrogância, prepotência e valentia. Amando desde a infância a sua prima Roxane, Cyrano não tem coragem para lhe transmitir esse sentimento, essa paixão, devido ao facto de se sentir feio, monstruoso, por causa do seu longo nariz, admitindo também que jamais nenhuma mulher o amará. Por seu lado, Roxane desconhece esse cândido sentimento por parte do seu primo e acaba por se apaixonar pelo jovem Christian de Neuvillette, jovem cadete da mesma companhia de Cyrano, que, ao contrário de Cyrano, era esteticamente perfeito mas tinha uma alma de pedra. Desgostoso e decepcionado, Cyrano acaba por jurar a Roxane interceder por ela junto de Christian e é a cumprir este juramento que Cyrano tem a ideía de ser ele a escrever as cartas de amor em nome de Neuvillette, cartas onde Cyrano, usando a face de outro, expressa todo o amor que lhe vai na alma. Este filme que, recordo, é uma adaptação de uma peça do final do séc. XIX, tem, quanto a mim, uma importante mensagem que, para além de pretender atacar de uma forma mordaz a sociedade da altura e, afirmo eu, ainda tão actual em qualquer sociedade contemporânea, tem também a capacidade de enviar um sinal de esperança. Cyrano é um homem feio. Realmente o seu desproporcional nariz transfigura-lhe a cara. No oposto, surge-nos Christian de Neuvillette que tem tudo o que um galã-parte-corações pode ter: é bonito, charmoso, veste-se bem, é delicado, etc. Aparentemente ninguém pensaria duas vezes na escolha a fazer, no entanto, o feio tinha uma alma bela, sedutora, rica, e apaixonada, enquanto o bonito, não tinha a mínima sensibilidade para entender o coração feminino, não sabia dizer a mínima palavra sobre o amor. No filme essa questão é constantemente sublinhada. A beleza exterior de Christian seduzia Roxane, mas era a alma e a inteligência de Cyrano que emanava das cartas que ela amava. Algo que também nos é transmitido, é o facto de todos nós nos considerarmos, de uma forma ou de outra, imperfeitos, até mesmo inaceitáveis, um género de patinho feio. No entanto, e é belo verificá-lo no filme, que em qualquer patinho feio existe sempre um lado de cisne pronto a despertar, todos nós temos um lado de Cyrano. Quanto às interpretações, quero apenas focar as de Gerard Depardieu (Cyrano) e de Anne Brochet (Roxane). São simplesmente fantásticos! Depardieu é credível, apaixonado, arrebatador. Um poeta que dedica a sua vida à alma amada, elevando a sua personagem ao zénite da perfeição. Anne Brochet consegue agarrar muito bem a personagem de Roxane. Ela é quente, sensual, apaixonada e sonhadora, afirmando a certa altura sobre os belos versos de Cyrano: "As palavras são raios e sinto-me encadeada". Para finalizar: Um filme que ainda me faz sonhar e meditar. Será ainda possível haver quem se apaixone apenas bela beleza exterior (sei que há)? E, por outro lado, será possível haver paixão, amor, por uma pessoa sem que lhe vejamos a aparência exterior? Será possível conquistar o coração de alguém sem lhe revelar o rosto e o que poderá acontecer quando a pessoa percebe que está apaixonada por alguém que considera fantástico, mas cuja aparência física não é aquela que ela imaginava? Não é simples responder a estas questões, mas o filmes coloca-as e não escondo que são precisamente algumas delas que mais me fazem pensar. Mais oui, c'est là, je vous le dis, Que l'on va m'envoyer faire mon paradis. Plus d'une âme que j'aime y doit être exilée, Et je retrouverai Socrate et Galilée ! Mais que diable allait-il faire, Mais que diable allait-il faire en cette galère ?... Philosophe, physicien, Rimeur, bretteur, musicien, Et voyageur aérien, Grand risposteur du tac au tac, Amant aussi -- pas pour son bien ! -- Ci-gît Hercule-Savinien De Cyrano de Bergerac Qui fut tout, et qui ne fut rien. ... Mais je m'en vais, pardon, je ne peux faire attendre Vous voyez, le rayon de lune vient me prendre ! Il est retombé assis, les pleurs de Roxane le rappellent à la réalité, il la regarde, et caressant ses voiles Je ne veux pas que vous pleuriez moins ce charmant, Ce bon, ce beau Christian ; mais je veux seulement Que lorsque le grand froid aura pris mes vertèbres, Vous donniez un sens double à ces voiles funèbres, Et que son deuil sur vous devienne un peu mon deuil. TRADUÇÃO Mas sim, é lá, que vos digo, que me vai enviar para fazer o meu paraíso. Mais de uma alma que amo devem lá estar exiladas, e reencontrarei Sócrates e Galileu! Mas que diabo ia fazer, mas que diabo ia fazer neste mar?... Filósofo, físico, Poeta, espadachim, músico e viajante aéreo, amigo de responder a desafios, amante também – não para seu bem! Aqui está Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac que tudo foi e não foi nada. ... Mas vou-me, perdão, não posso fazer esperar Vê-de, o raio de Lua vem buscar-me! Caíu sentado, as lágrimas de Roxane recordam-no à realidade, olha-o, e acariciando os seus véus, não quero que chorem menos este encantador , é bom, o belo Christian; mas quero apenas quando o grande frio tomar as minhas vértebras, dêem um sentido duplo a estes véus fúnebres, e que o seu leito se torne um pouco o meu leito.”

Iceman,
http://pt.livra.com/item/cyrano-de-bergerac/8984857/

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Cinemascópio: Novo Ciclo Temático em Abril 2010: Nos Quatro Cantos de Mim

2010-04-06T23:25:00.003+01:00

Caros Amigos,

Na próxima 6ª feira, dia 9 de Abril, o Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos inicia um novo Ciclo, Nos Quatro Cantos de Mim.

Será então esta a programação para o mês de Abril de 2010:

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Nos Quatro Cantos de Mim

Abril 2010

ENTRADA LIVRE

1º- Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau (09/04)

2º - Taxi Driver, de Martin Scorsese (16/04)

3º - O Leitor, de Stephen Daldry (23/04)

4º - Apocalypse Now, de Francis Ford Copolla (30/04)

No

Maria Vai Com as Outras
Rua do Almada, nº 443 Porto

CONTAMOS COM A VOSSA PRESENÇA!

Próxima sessão, dia 09 Abril 2010: Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau

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Cinemascópio: Ciclo Adeus às Armas – Hoje, 6ª feira: Um Longo Domingo de Noivado, de Jean-Pierre Jeunet

2010-03-26T01:14:00.001Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Adeus às Armas

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 26 Março.2010 - 22H00

Um Longo Domingo de Noivado

Contamos com a vossa presença hoje à noite, apareçam!

Cinemascópio: Ciclo Adeus às Armas - Próxima 6ª feira, 26 de Março: Um Longo Domingo de Noivado, de Jean-Pierre Jeunet

2010-03-24T21:08:00.003Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Adeus às Armas

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 26 Março.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras
Rua de Almada, nº443
Porto

ENTRADA LIVRE

Um Longo Domingo de Noivado
Un Long Dimanche de Fiançailles

Realizador: Jean-Pierre Jeunet

Com: Audrey Tautou, Gaspard Ulliel, Jean-Pierre Becker, Dominique Bettenfeld, Clóvis Cornillac, Jean-Pierre Darroussin, Jodie Foster, Julie Depardieu, Jean-Claude Dreyfus, Andreé Dussolier, Ticky Holgado, Tcheky Kario, Jerome Kircher, Denis Lavant, Chantal Neuwirth, Dominique Pinon, Marion Cotillard, Jean-Paul Rouve, Miche Vuillermoz

Duração: 124 min.
Idade: M/16
Género: Drama
País de Origem: França
Ano: 2004, Cor

SINOPSE

Jean-Pierre Jeunet volta a trabalhar com Audrey Tautou depois de "O Fabuloso Destino de Amélie". Audrey é Mathilde, uma jovem que no final da Primeira Guerra Mundial, recusa aceitar que o seu noivo morreu. Mathilde é informada que Manech morreu no campo de batalha, mas acaba por descobrir que ele fazia parte de um grupo de cinco soldados que foram condenados à morte, por um tribunal marcial, por se terem auto-mutilado para fingir ferimentos de forma a escaparem à guerra. Mas Mathilde não acredita que Manech esteja morto; se assim fosse, ela sentiria essa perda. Resolve então partir numa busca desesperada para descobrir o que realmente aconteceu a Manech.

http://cinecartaz.publico.clix.pt/filme.asp?id=120723

“Amor em tempo de Guerra
"Je vois comprende...!"

Foi com alguma hesitação que decidi ver o novo filme de Jeunet. Se por um lado a crítica em geral tinha apontado por diversas vezes o seu desiquilíbrio no argumento, por outro era do mesmo realizador, e com a mesma protagonista, que nos trouxeram aquele que é o meu filme francês de eleição. Refiro-me concretamente a Le Fabuleux Destin d`Amélie Poulain. Desta vez, a dupla aventurou-se numa fábula passada aquando da ocorrência da primeira Guerra Mundial, e adaptada de um livro. Esse era outro ponto pelo qual temia ver o filme. A genialidade do filme anterior do realizador provinha, em parte, do seu argumento original, pois os acontecimentos ocorriam de forma espontânea e natural, o que não queria dizer que a adaptação de um livro tirasse esse mérito ao realizador, pelo contrário, tenho bastante confiança em Jeunet. Mas todos sabemos como são as adaptações literárias...

Para nos introduzir na história, Jeunet utiliza uma técnica semelhante ao seu anterior filme. Utiliza um narrador que avança pormenores sobre a personalidade de cada personagem envolvida na história e também uma realização excepcional. Esse é talvez o maior trunfo que Jeunet utiliza para criar as suas fábulas cheias de encanto, e a sua "arma" para nos prender a elas. Mas desta feita, o realizador francês propôs-se a contar algo mais sério, não pretendo criar gargalhadas na maior parte da duração do filme, como acontecia em Amélie. É notável uma adaptação de estilo de um filme para o outro, nunca nenhum deles perdendo a credibilidade ou se afastando do que é pretendido. A substância está lá toda, a arte de contar a história também.

Em parte, a maioria da crítica tinha razão; o argumento sofre de um desiquilíbrio, que é o excesso de personagens envolvidas na história. É bem provável que a excessiva quantidade de elementos intervenientes na história funcione em livro. Todavia, nota-se essa fragilidade no argumento, que hesita em explorar as personagens mais secundárias, uma vez que estas existem em demasia. No entanto, é essa a única fragilidade proveniente do mesmo. Argumento esse, adaptado por Jeunet, que embora não seja algo de extraordinário, é sóbrio e consegue manter ao longo do filme a sua visão despretenciosa e deliciosa, criando uma narrativa sem grandes quebras.

Mas, sejamos sinceros, o filme safa-se mais é pelo seu arrojo visual. Uma direcção de fotografia magnífica que se encarrega do contraste entra a pacata povoação de Mathilde, personagem interpretada por Audrey Tautou, onde o sol brilha moderadamente, e onde constatamos sempre uma luminosidade alaranjada, demonstrando um misto de alegria e medo; o cenário de devastação da Guerra, cinzento e frio, lembrando a morte e o sacríficio, e ainda umas curtas referências ao film-noir. Com uma direcção artística prodigiosa, uma realização fantástica, uma fotografia magnífica e interpretações espantosas, Un Long Dimanche de Fiançailles é um filme maravilhoso, uma pérola do cinema francês. E se o argumento tem as suas arestas por polir, o filme é ainda assim muito simpático, revelando talentos como Gaspard Ulliel, e reafirmando outros como Audrey Tautou e Jean-Pierre Jeunet.

E cá para mim, Audrey Tautou será sempre Amélie Poulain.”

Miguel Baptista
http://miguel12.blog-city.com, http://www.cinema2000.pt/ficha.php3?id=4577

“Um Longo Domingo de Jeunet

Ontem fui ver o filme francês Um Longo Domingo de Noivado de Jean Pierre Jeunet e com Audrey Tautou. E a frase que retiro assim de repente do filme é a seguinte:

«Cão que se peida, alegria na casa»

Não é que o filme seja mau. É o inverso, na verdade. É bom, agradável e tipíco de Jeunet. Nota-se os seus pormenores ao longo dos planos e do próprio enredo. Para além de haver alguns actores, para além a Audrey, que também estiveram no fantástico Amélie.

Impossível de deixar de reparar é também as várias vezes que Mathilde (Audrey Tautou) faz pequenas apostas consigo mesmo, em que, caso se concretizem, isso significará que o seu noivo está vivo.
Do tipo: Mathilde diz para si mesma que, caso chegue primeiro que o carro que leva o noivo a uma curva, ele irá regressar vivo.
Uma pequena forma de estar poucas vezes, ou mesmo nunca, retratada de forma tão extraordinariamente sublime no cinema. São as pequenas coisas. Os pequenos gestos, que estão por trás de grandes sonhos e grandes expectativas que fazem do ser humano um sonhador. Jeunet, embora num filme com uma história diferente, volta a maravilhar.”

JT, http://magacine.blogspot.com/2005/02/um-longo-domingo-de-jeunet.html

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Cinemascópio: Ciclo Adeus às Armas - Amanhã, 6ª feira: Duck Soup, de Leo McCarey

2010-03-18T23:37:00.003Z

Contamos com a vossa presença, amanhã à noite!
Apareçam!

Próxima sessão, dia 26 Março 10: Um Longo Domingo de Noivado, de Jean-Pierre Jeunet

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Cinemascópio: Ciclo Adeus às Armas - Próxima 6ª feira, 19 de Março: Duck Soup, de Leo McCarey

2010-03-17T00:07:00.003Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Adeus às Armas

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 19 Março.2010 - 22H00

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Os Grandes Aldrabões
Duck Soup

Realizador: Leo McCarey

Com: Groucho Marx, Chico Marx, Zeppo Marx, Margaret Dumont, Harpo Marx, Raquel Torres, Louis Calhern, Edmund Breese, Leonid Kinskey, Charles Middleton, Edgar Kennedy

Duração: 68 min.
Idade: M/12
Género: Comédia
País de Origem: EUA
Ano: 1933, P/B

SINOPSE

A arte do burlesco levada aos limites do absurdo na mais delirante incursão dos Irmãos Marx no cinema, que é também uma das mais virulentas sátiras à política do seu tempo (o começo da década de 30 do século passado), com a incursão na guerra de um pequeno país onde os Marx governam. O pesadelo de Kropotkine para a anarquia como forma de governo.

http://cinema.sapo.pt/filme/duck-soup/detalhes

“Grandiosos momentos históricos de galhofa: Duck Soup, dos Irmãos Marx

O filme chama-se Duck Soup e foi feito por Leo McCarey em 1933, o que ainda torna tudo mais fabuloso. Os Irmãos Marx, mais criativos que nunca, faziam assim o seu próprio filme de guerra, com Groucho a fazer o papel de Rufus T. Firefly, malandrim feito ditador demente do pequeno estado de Freedonia. A acção não pára um segundo (…), completa com gags físicos, trocadilhos inspirados e efeitos especiais dignos de desenho animado. Até à altura, nada disto tinha sido tentado. (…)"

Nuno Markl, http://havidaemmarkl.blogs.sapo.pt/102123.html?thread=3834091

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Próxima sessão, dia 26 Março 10: Um Longo Domingo de Noivado, de Jean-Pierre Jeunet

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Cinemascópio: Ciclo Adeus às Armas – Amanhã, 6ª feira: As Bandeiras Dos Nossos Pais , de Clint Eastwood

2010-03-11T15:02:00.000Z

Contamos com a vossa presença, amanhã à noite!
Apareçam!

Cinemascópio: Ciclo Adeus às Armas - Próxima 6ª feira, 12 de Março: As Bandeiras dos Nossos Pais, de Clint Eastwood

2010-03-10T00:04:00.003Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Adeus às Armas

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 12 Março.2010 - 22H00

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Rua de Almada, nº443
Porto

ENTRADA LIVRE

As Bandeiras dos Nossos Pais
Flags Of Our Fathers

Realizador: Clint Eastwood

Com: Ryan Phillippe, Jesse Bradford, Adam Beach, Jamie Bell, Paul Walker, Robert Patrick
Duração: 125 min.
Idade: M/12
Género: Drama, Guerra
País de Origem: EUA
Ano: 2006, Cor

SINOPSE

Fevereiro, 1945. A guerra na Europa estava ganha, mas no Pacífico continuava acesa. Uma das mais sangrentas batalhas foi a luta pela ilha de Iwo Jima, traduzida por uma das mais icónicas imagens da História: o momento em que cinco "marines" erguem a bandeira dos EUA no monte Suribachi. Esta é a história desses soldados. Essa fotografia tornou-se num símbolo da vitória e transformou esses homens em heróis. Alguns morreriam pouco depois, sem saber que a História os imortalizaria. Mas para aqueles que ficaram, o heroísmo não era a sua maior preocupação, mas sim os companheiros que não tinham sobrevivido. "As Bandeiras dos Nossos Pais", último filme de Clint Eastwood, é baseado no "best-seller" de James Bradley e Ron Powers sobre a batalha de Iwo Jima (o pai de Bradley é um dos soldados que segurava a bandeira).

http://cinecartaz.publico.clix.pt

“ As Bandeiras dos Nossos Pais
Imortalizados vivos

E ao quinto dia, cinco "marines" e um enfermeiro da Marinha colocaram a bandeira americana no cimo do Suribachi, o monte que domina o pedaço de rocha e areia cinzentas a que os japoneses chamam Iwo Jima. Ainda iriam passar 35 dias - e milhares de corpos semeados pelas praias - para a conquista dessa terra vulcânica, mas uma fotografia tirada pelo fotógrafo Joe Rosenthal fez "o momento". E contra isso foi impossível medir forças.
Não interessava que os factos tivessem uma dimensão diferente da lenda - afinal, James "Doc" Bradley, Rene Gagnon, Ira Hayes, Franklin Sousley, Harlon Block e Mike Strand tinham sido o segundo grupo a hastear uma bandeira americana (um caprichoso general obrigou a uma troca; qual troféu pessoal, quis a primeira que tinha sido colocada...), tiveram "apenas" a sorte, ou o infortúnio, de terem ali um fotógrafo; e afinal, esse nem foi o momento de conquista, foram precisos mais 35 dias de inferno, que até mataram Franklin, Harlon e Mike.
A fotografia, contudo, estava para além dessas contingências da realidade. E James "Doc" Bradley, Rene Gagnon e Ira Hayes, os sobreviventes, foram alistados no mito para o resto das suas existências. Chegaram a ser convocados para aparecerem ao lado de John Wayne em "Sands of Iwo Jima" (Allan Dwan, 1949). Wayne era aquele que dizia sobre todas as coisas: "Se não é tudo a preto e branco, eu pergunto: "Porque diabo é que não é?"". Contra essas certezas, podia opor-se o que disse um dos "heróis" forçados: "Every jackass thinks he knows what war is". Qualquer tradução deverá significar sempre o mesmo: as razões de estado a esmagarem as razões individuais, a culpa pelos que morreram ou ficaram para trás, um fardo. Insuportável.
Um livro, "As Bandeiras dos Nossos Pais", escrito por James Bradley (filho de "Doc"), contou essa história em 2000. Um filme, "As Bandeiras dos Nossos Pais", de Clint Eastwood, com argumento de William Boyles Jr. e Paul Haggis, conta agora essa história.
O livro (editado em Portugal pela Magnólia - já agora: a tradução, aqui, é um automatismo; a revisão de texto inexistente) se fosse ele próprio o filme seria um pedaço de cinema clássico: narrativa linear, do passado até ao presente, e a tomada de conhecimento por um filho - o autor - da figura do pai. Sem alaridos, por pudor ou por não ter unhas para se aventurar pela vertigem do romanesco e da auto-consciência criativa, o escritor olha não como mestre da sua história, mas como repórter das histórias dos outros, figuras talhadas de um gesto na rocha. James "Doc" Bradley, o último desses "heróis" a morrer, esteve vivo até 1994 e rematava sempre os seus silêncios perante os filhos inquiridores com um: "É tão simples quanto isso".
O livro, para resumir, é assim. O filme é outra coisa, para, no fundo, até lhe ser fiel - ao livro.
Eastwood, com o trabalho de Boyles Jr./Haggis, troca as voltas, anda para a frente e para trás em três tempos: as cenas de batalha em Iwo Jima, a "tournée" dos heróis pela América a angariar fundos para o esforço de guerra e a actualidade. Atrasa até onde pode a figuração do "momento" - a fotografia no Suribachi -, e antes da guerra dá-nos primeiro o simulacro, com os três soldados (interpretados por Ryan Philippe, Jesse Bradford e Adam Beach) a subirem para cima do cume de Iwo Jima em "papier maché", num estádio a abarrotar, durante a "tournée" circense que percorreu a América.
Apodera-se, assim, de uma disposição reflexiva, cria interrupções, veda-nos acessos, constrói-se à volta de um vazio central, trabalha sobre um tempo sempre interrompido. A comparação que a revista Sight and Sound fez com o "Mundo a Seus Pés" de Orson Welles, esse "fantasma no festim do cinema clássico", como lhe chama, onde sucessivos portões e cortinas escondiam a Xanadu de "citizen" Kane ou rodeavam a revelação de um segredo, o tal, Rosebud, é, mesmo se exagerada, reveladora do que por aqui se tenta (e é todo um programa pensar também em Eastwood, a quem chamam o "último dos clássicos", como um "fantasma"...).
Compreende-se, pois, o gesto, a construção em "puzzle": para fazer de Bradley, Gagnon e Hayes figuras que o mito atirou para uma condição espectral, para uma morte em vida, corroídos pela sensação de impostura, a quem foi roubado o espaço e o tempo. "As Bandeiras dos Nossos Pais" integra, por aí, o núcleo mais agónico da obra do realizador Eastwood, alguém que em tempos foi o "homem sem nome" do "western spaghetti" - construção mitológica, portanto - e que vem fazendo reflexões sobre o heroísmo, atirando ao alvo e não raras vezes oferecendo o corpo à destruição (dessa pulsão terminal, o William Munny de "Imperdoável", filme de 1992, é uma das encarnações mais perfeitas, e pensa-se em "Imperdoável" em momentos de "As Bandeiras dos Nossos Pais").
No "puzzle" que monta Clint também explicita a passagem de testemunho entre gerações, a dos pais e a dos filhos. É um dos seus "temas" - recorde-se "As Pontes de Madison County" (1995). Mas tal como nesse filme também aqui isso é mais sublinhado do que integrado. Por esta peça do "puzzle", pelos obstáculos criados - é difícil sentir entre a actualidade e o passado o fluxo de uma existência -, o "puzzle" fala mais do que toca. Mas há personagem a guardar: Ira Hayes, índio e herói, dois fardos demasiado pesados para um homem só, e ele não aguentou... É uma figura do calvário e no seu abandono lembra-nos tanto o Forest Whitaker de "Bird", filme de 1988...
Compreende-se o gesto, dizíamos: é para escavar em profundidade a História enterrada - por aí o filme é a consciência clarividente do livro. Algures a meio da preparação de "As Bandeiras dos Nossos Pais", e nessa vontade de partir em direcção às profundezas, Eastwood decidiu olhar para este episódio da II Guerra Mundial através dos olhos do "outro": os japoneses. Ir mais além só podia ser ir mesmo de encontro aos mortos que vivem na memória das rochas de Iwo Jima. Mas essa é outra história, e essa obra-prima, "Cartas de Iwo Jima", é coisa tão crepuscular que já não é filme de guerra, é pura história de fantasmas (estreia a 22 de Fevereiro).
É, portanto, a mesma história."

Vasco Câmara (PÚBLICO), http://cinecartaz.publico.clix.pt/criticas.asp?id=165012&Crid=3&c=4018

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Maria Vai Com As Outras

CONTAMOS COM A VOSSA PRESENÇA!

Próxima sessão, dia 19 Março 10: Duck Soup, de Leo McCarey

pintar.sete@gmail.com

maria-vai-com-as-outras.blogspot.com

Cinemascópio: Ciclo Adeus às Armas – Amanhã, 6ª feira: A Vida É Um Milagre, de Emir Kusturica

2010-03-03T23:41:00.003Z

Contamos com a vossa presença, amanhã à noite!
Apareçam!

Cinemascópio: Ciclo Adeus às Armas - Próxima 6ª feira, 5 de Março: A Vida é um Milagre, de Emir Kusturica

2010-03-02T01:50:00.002Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Adeus às Armas

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 05 Março.2010 - 22H00

Maria Vai com as Outras

Rua de Almada, nº443

Porto

ENTRADA LIVRE

A Vida é Um Milagre

Zivot je Cudo

Realizador: Emir Kusturica

Com: Natasa Solak, Slavko Stimac, Vesna Trivalic, Vuk Kostic, Aleksandar Bercek

Duração: 135 min.

Idade: M/12

Género: Comédia /Drama

País de Origem: França/Sérvia/Montenegro

Ano: 2004, Cor

SINOPSE

Bósnia, 1992. Luka, um engenheiro sérvio de Belgrado, vai com a mulher, Jadranka, cantora de ópera, e o filho, Milos, para uma aldeia no meio do nada, para ajudar a construir uma linha de caminhos-de-ferro que transformará a região num local de turismo.
Cego pelo seu optimismo natural, não presta atenção aos rumores sobre a guerra que se avizinha, cada vez mais persistentes. Mas quando eclode o conflito, a sua vida desmorona-se. Jadranka desaparece com um músico, Milos é chamado para combate.
Sempre optimista, Luka espera o regresso da mulher e do filho, mas Jadranka não volta e Milos é feito prisioneiro. Os sérvios confiam então a guarda de Sabaha, uma refém muçulmana, a Luka, que deverá servir de moeda de troca para recuperar Milos. Mas Luka rapidamente se apaixona por Sabaha. "A Vida é um Milagre", último filme de Emir Kusturica, estreado internacionalmente no Festival de Cannes, é um "Romeu e Julieta" nos Balcãs, com banda sonora da No Smoking Orchestra, banda do realizador.

http://cinecartaz.publico.clix.pt

“A Vida é um Milagre, de Emir Kusturica.

Um hino à Jugoslávia

Kusturica está de volta com mais um belo filme a ter como pano de fundo a tragédia que se abateu sobre o seu país, a Jugoslávia. Não sendo um filme claramente histórido e político, "A Vida é um milagre" volta ao tema da destruição da Jugoslávia, que tinha já pegado em "Underground - Era uma vez um País". Em ambos os trabalhos, o realizador assume a sua posição claramente "jugoslavista", contra os nacionalismos que despontaram no país no início da última década do século passado, e que acabaram por o destruir...

Não entrando no minimalismo de poupar uma das etnias e diabolizar outras, Kusturica revela o que se passou com o seu país e com a guerra que o destruiu. "Esta é a guerra privada de alguém", diz a Luka (a personagem central do filme) o capitão do Exército Nacional Jugoslavo que, sendo sérvio como Luka, se mantém fiel à ideia da Jugoslávia de Tito, combatendo todos os "nacionalismos" e os interesses que estes escondem: tráficos vários, poderes individuais e decadentes, da qual o nacionalista sérvio Filipovic é exemplo no filme.

A acção centra-se na paixão entre o sérvio Luka e a enfermeira muçulmana Sabaha. A história deste amor impossível e proibido é, ela mesma, um hino à Jugoslávia multi-racial, mutli-étnica e multi-nacional. Luka sente-se, antes de mais, jugoslavo e chega a confessar que o seu melhor amigo da faculdade
era muçulmano. "Melhor do que qualquer outro muçulmano e do que qualquer sérvio", confessa ele à sua "refém" - que pretendia trocar pelo seu filho Milos, feito prisioneiro pelos muçulmanos.

Tal como em Underground, o realizador não se esquece as críticas à Alemanha - que patrocinou a secessão eslovena e croata, bem como apoiou os muçulmanos da Bósnia a iniciarem a guerra e a saírem da Jugoslávia - e às tropas da ONU, ridicularizadas no final do filme.

Os jornalistas e as cadeias "informativas" internacionais também não são poupados no novo trabalho do cineasta jugoslavo, que destaca, ridicularizando, a cobertura antisérvia e pró-secessão assumida pelos
jornais e cadeias ocidentais, que escolheram os sérvios e a própria existência da Jugoslávia como inimigo a abater, relatando, grande parte das vezes, os acontecimentos de maneira oposta à forma como realmente aconteceram.
A cobertura da troca de prisioneiros é reveladora. Sabaha, gravemente ferida (por um muçulmano, o que mostra a irracionalidade total da guerra) é trocada pelo filho de Luka, enquanto chora gritando que quer ficar com Luka, que vive no lado sérvio. Uma jornalista, aparentemente norte-americana, segue o
caso contando a história de uma prisioneira ferida e torturada às mãos dos sérvios.

Feito no estilo inconfundível de Emir Kusturica, em que quase tudo são alegorias - de que a burra suicida destroçada pelo amor é um dos mais hilariantes exemplos - «A Vida é um Milagre» é uma homenagem ao sonho desfeito de muitos jugoslavos que viram o seu país destruído e destroçado por uma guerra irracional e movida por interesses exteriores às diversas etnias do país. É, ao mesmo tempo, uma bela história de amor, que prova não ter etnia, nem religião, nem nacionalidade."

www.cineclubefaro.com, Gustavo Carneiro (não-sócio)

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

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Próxima sessão, dia 12 Março 10: As Bandeiras dos Nossos Pais, de Clint Eastwood

www.pintarosete.blogspot.com

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Cinemascópio: Novo Ciclo Temático em Março, em novo local

2010-02-27T15:30:00.003Z

Caros Amigos,

Na próxima 6ª feira, dia 5 de Março, o Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos retoma actividade com um novo Ciclo, Adeus às Armas.

Será o primeiro Ciclo exibido num novo local, em colaboração com o Maria Vai com as Outras, um projecto que se auto-intitula como “loja de livros, revistas, chás, artesanato, mobiliário, vinhos, galeria, café-concerto, outras cores, outros cheiros, outros sabores”.

Para quem não conhece, aqui fica a morada e endereço do blogue:

Maria Vai Com as Outras
Rua do Almada, nº443 Porto

http://maria-vai-com-as-outras.blogspot.com/

Quanto à programação Cinemascópio para Março de 2010, será a seguinte:

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Adeus às Armas

Março 2010

ENTRADA LIVRE

1º- A Vida é um Milagre, de Emir Kusturica (05/03)

2º - As Bandeiras dos Nossos Pais, de Clint Eastwood (12/03)

3º - Duck Soup, de Leo McCarey (19/03)

4º - Um Longo Domingo de Noivado, de Jean-Pierre Jeunet (26/03)

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

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Até breve, Cinemascópio! :)

2010-01-21T22:58:00.000Z

Até breve, Cinemascópio! :)

Cinemascópio interrompe actividade até encontrar novo local

2010-01-20T00:59:00.001Z

Caros Amigos,

Uma vez que a sala onde a Pintar o 7 desenvolvia a sua actividade Cinemascópio deixará de estar disponível às sextas-feiras à noite (no espaço do Mede-Vinagre), a programação inicialmente prevista para o mês de Janeiro de 2010 terá de ser interrompida até encontrarmos novo local.

Retomaremos a actividade assim que encontrarmos um espaço disponível e com as características necessárias à continuação dos nosso Ciclos Temáticos.
Brevemente daremos notícias!

Um abraço amigo, até breve,

Pintar o 7

Cinemascópio: Ciclo Palco & Tela – Hoje, 6ª feira: Gata em Telhado de Zinco Quente, de Richard Brooks

2010-01-15T00:48:00.001Z

Contamos com a vossa presença, hoje à noite!
Apareçam!

Cinemascópio: Ciclo Palco & Tela - Próxima 6ª feira, 15 de Janeiro: Gata em Telhado de Zinco Quente, de Richard Brooks

2010-01-15T00:39:00.002Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Palco & Tela

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 15 Janeiro.2010 - 21H30

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Gata em Telhado de Zinco Quente
Cat on a Hot Tin Roof

Realizador: Richard Brooks

Com: Elizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives, Jack Carson, Judith Anderson, Madeleine Sherwood, Larry Gates, Vaughn Taylor
Duração: 104 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: EUA
Ano: 1958, Cor

SINOPSE

"Não vivo mais contigo", diz Maggie a Brick. "Nós apenas ocupamos a mesma gaiola, só isso". As emoções cruas e diálogo forte do vencedor do Pulitzer em 1955, Tennessee Williams, transformam a chuva numa tempestade, nesta versão cinematográfica, cujas ferozes interpretações e banda sonora, a transformaram logo num sucesso de bilheteira. Paul Newman ganhou a sua primeira nomeação para um Oscar, pela sua interpretação cheia de nuances de Brick, o perturbado antigo herói de desporto. Conquistando a sua segunda nomeação para um Oscar, Elizabeth Taylor transforma Maggie na Gata, cravando as suas garras e agarrando-se à vida, não como ela é, mas como ela queria que fosse um dia.

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

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Cinemascópio: Ciclo Palco & Tela - Próxima 6ª feira, 08 de Janeiro: Ran, Os Senhores da Guerra, de Akira Kurosawa

2010-01-07T01:23:00.002Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Palco & Tela

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 08 Janeiro.2010 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

ATENÇÃO: Dada a duração do filme (2h40m), excepcionalmente a sessão terá início, impreterivelmente, às 21h30.

Ran, Os Senhores da Guerra
乱 Ran

Realizador: Akira Kurosawa

Com: Tatsuya Nakadai, Akira Terao, Jinpachi Nezu, Daisuke Ryu, Mieko Harada, Yoshiko Miyazaki, Hisashi Igawa, Peter, Masayuki Yui, Kazuo Kato, Norio Matsui, Toshiya Ito
Duração: 160 minutos

Idade: M/12
Género: Acção, Clássico, Drama, Guerra
País de Origem: França, Japão
Ano: 1985, Cor

SINOPSE

RAN, OS SENHORES DA GUERRA é um brilhante filme de Akira Kurosawa que combina com mestria a história do Japão, a trama de Shakespeare e a visão de Kurosawa da lealdade. Situado no Japão do século XVI, o líder ancião Lord Hidetora (Tatsuya Nakadai), anuncia a sua intenção de repartir as sua terras em partes iguais entre os seus três filhos. Esta decisão de se retirar gera uma luta de poder entre os três, quando Hidetora é vítima das falsas adulações dos dois filhos mais velhos, e desterra o mais novo quando este revela a verdade. A traição transtorna Hidetora, destruindo a sua família e o seu reino.
Um fiel reflexo dos sentimentos humanos e uma brilhante interpretação fazem de RAN, OS SENHORES DA GUERRA um dos filmes mais aclamados de todos os tempos.
(…) Adaptação de "King Lear", de William Shakespeare, em que Kurosawa, de uma forma brilhante, retrata o Japão feudal do sec. XVI e as guerras senhoriais pela sucessão do poder do clã Ichimozi, após o seu velho senhor abdicar da liderança a favor do seu filho primogénito.

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Mede Vinagre

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Próxima sessão, dia 16 Janeiro 10: Gata em Telhado de Zinco Quente, de Richard Brooks

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Cinemascópio: Novo Ciclo Temático em Janeiro - Palco & Tela

2010-01-07T00:33:00.002Z

Caros Amigos,

Na próxima 6ª feira, dia 7 de Janeiro, e após ausência durante o mês de Dezembro, o Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos inicia um novo Ciclo, Palco & Tela.

Será então esta a programação para o mês de Janeiro de 2010:

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Palco & Tela

Janeiro 2010

1º- Ran, Os Senhores da Guerra, de Akira Kurosawa (08/01)

2º - Gata Em Telhado de Zinco Quente, de Richard Brooks (16/01)

3º - Inimigos do Império, de Feng Xiaogang (22/01)

4º - O Camareiro, de Peter Yates (29/01)

ENTRADA LIVRE

no

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)

Rua de Morgado de Mateus, nº51

4000-334 Porto

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Mede Vinagre

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Próxima sessão, dia 08 Janeiro 2010: Ran, Os Senhores da Guerra, de Akira Kurosawa

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Cinemascópio descansa em Dezembro e retoma actividade em Janeiro de 2010

2009-12-02T14:29:00.001Z

Caros Amigos,

Uma vez que duas das 6ªs feiras do mês de Dezembro coincidem com dois feriados da época natalícia (25 e 31 de Dezembro), o Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos não funcionará durante o próximo mês.
Retomaremos a actividade e o convívio convosco em Janeiro de 2010.

Até lá, muitas prendas no sapatinho e boa entrada em 2010, com um abraço natalício, :)

Pintar o Sete

Cinemascópio: Ciclo Laços de Sangue - Hoje, 6ª feira: 8 Mulheres, de François Ozon

2009-11-26T02:08:00.004Z

Cinemascópio: Ciclo Laços de Sangue - Próxima 6ª feira, 27 de Novembro: 8 Mulheres, de François Ozon

2009-11-26T01:59:00.004Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Laços de Sangue

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 27 Novembro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

8 Mulheres
8 Femmes

Realizador: François Ozon

Com:Danielle Darrieux, Catherine Deneuve, Isabelle Huppert, Emmanuelle Béart, Fanny Ardant, Virginie Ledoyen, Ludivine Sagnier, Firmine Richard
Duração: 103 minutos

Idade: M/16
Género: Comédia, Musical, Mistério
País de Origem: França
Ano: 2002, Cor

SINOPSE

França, anos cinquenta. Numa sumptuosa mansão, em cenário bucólico e ocasionalmente invernoso, uma família da alta burguesia começa a reunir-se para as festividades natalícias. No entanto, um drama inesperado sucede: Marcel, o dono da casa, foi assassinado. A partir deste cenário de grave crise, oito mulheres das relações da vítima reúnem-se no grande salão da casa questionando-se sobre o crime ocorrido. Através da busca colectiva de motivações mais ou menos evidentes de cada uma delas individualmente, irão tentar perceber o que poderá ter levado uma de entre as oito a assassinarem o único homem da família. Elas são as senhoras da casa – mulher, filhas, sogra e cunhada –, o pessoal auxiliar e um inesperado elemento, também ele feminino, que surge posteriormente. E a partir das revelações dessas oito mulheres sucedem-se a exteriorização de rancores, a descoberta de infidelidades e outras confissões de segredos muito bem guardados até então. Mas quem de entre elas terá assassinado Marcel?

www.7arte.net

“Puro deleite

Vincente Minelli meets Agatha Christie? Se quiséssemos reduzir ao estereótipo este saboroso filme de François Ozon o chavão até poderia funcionar. Mas nessa conversão fácil – e mesmo que as influências sejam assumidas - perder-se-iam todas as subtilezas do talentoso realizador francês. Em todo o caso, uma belíssima homenagem ao musical dos anos 50 e às comédias francesas da época. Por isso mesmo, chapeau pela iniciativa de fazer cinema para (o nosso) puro deleite. Nosso, do espectador, das actrizes e dele próprio. Razões de sobra para considerar “8 Mulheres” como um dos mais saborosos filmes deste ano.
A intriga já se sabe que junta 8 mulheres em redor de um homem morto. E não é um homem qualquer; é o pater familias daquela mansão isolada, que, de uma forma ou outra, reuniu ódios secretos entre as damas inquilinas.
Próximo de “Gosford Park”, mas com uma fleuma muito mais fancófona e musical, Ozon distancia-se de Altman pela forma mais rígida como dirige as actrizes e pelo sentido lúdico da representação. Admirável, sobretudo se o virmos depois do melodrama “Sob a Areia”. Ainda mais se pensarmos que não se deteve a indiciar o filme com tons de um erotismo atrevido bem aceite por todas as Mulheres. Atenção os fabulosos números musicais.”

Paulo Portugal, http://www.7arte.net/cgi-bin/c_critica.pl?id=Paulo%20Portugal-01723

“O CINEMA FOI AO TEATRO PELA MÃO DE FRANÇOIS OZON

Ainda não é de há muito a exibição entre nós de «Sob a Areia», um filme de intenso dramatismo que significava uma valorosa incursão do cinema na intimidade psicológica de uma mulher que se recusava à aceitação da morte do seu companheiro, e eis que o realizador responsável por essa obra volta ao nosso seio através de outro filme seu em exibição nas salas de cinema portuguesas, «8 Mulheres». E não podia ser mais radical relativamente a «Sob a Areia» a nova abordagem cinematográfica do jovem realizador francês. «8 Mulheres é uma comédia que procura evidenciar-se artisticamente através de algumas premissas que se refugiam numa determinada ambiência de “glamour” e sofisticação. Tal como o humor que intenta. Mas, mais do que isso, o novo filme de Ozon procura situar-se no cinema dos anos cinquenta por meio da comédia clássica por onde maioritariamente vagueia, ou estendendo-se por universos próprios da comédia musical. Neste particular de vertente musical, o engraçado é que num filme de homenagens ao cinema, e porventura às mulheres em geral personalizadas nas actrizes que interpretam a película, onde o que impera é a paixão pelo clássico e pelo sofisticado, as músicas escolhidas tenham todas elas um cariz fortemente popular. Mas esta curiosidade talvez explique as verdadeiras intenções de Ozon na concepção deste seu filme: adaptar livremente uma peça de teatro para o cinema não escondendo nunca as origens teatrais do filme. E usar mesmo nessa transposição para o cinema de códigos muito mais ligados à arte dos palcos. Fazendo sempre questão de o evidenciar, acentue-se.

Em termos do seu enredo, a narrativa socorre-se da intriga celebrizada nos policiais de Agatha Christie até pelo modo como as personagens, circunscritas a um só salão, se vão questionando e colocando em causa através das motivações mais ou menos evidentes que poderão ter levado uma das oito mulheres em cena a hipoteticamente assassinarem o único homem presente na trama. Um homem a quem nunca vimos o rosto dado que a sua presença ali é um mero artifício para juntar oito mulheres nas situações mais rocambolescas que se possam imaginar. Elas são as senhoras da casa – ascendentes e descendentes –, a criadagem e um elemento mais inesperado. Um elemento no feminino, sempre no feminino. E a partir das revelações dessas oito mulheres sucedem-se a exteriorização de rancores, a descoberta de infidelidades e outras confissões de segredos bem guardados até então.

O que se pode dizer de superlativo deste filme é que ele consiste num curioso e interessante exercício de estilo do próprio Ozon. Todas as actrizes, sem excepção, estão bem nos seus papeis. Isto é, são seguras e competentes. Mas a verdade é que a segurança de Danielle Darrieux, a anciã do clã, a beleza insinuante de Emmanuelle Béart, elemento do pessoal auxiliar, a irreverência interpretativa de Isabelle Hupert, a solteirona histérica, a classe e sofisticação de Catherine Deneuve, a mulher do morto, ou a desenvoltura de Fanny Ardant, a irmã, amante e familiar indesejada, para só citar algumas das actrizes e personagens, não são inteiramente suficientes para tornar este filme algo mais que simpático e agradável no seu desenvolvimento geral. Isto é, para fazer deste um filme conseguido em toda a sua plenitude. Talvez porque nele se integrem alguns momentos de humor bem conseguido mas que padecem de uma sensação que se pressente por vezes como se de mera rotina descritiva se tratassem. Não está nunca em causa a capacidade de Ozon como cineasta, pois percebe-se o seu inegável talento. Mas o que se percebe igualmente, conclui-se, é que esta é uma aposta não totalmente conseguida em termos daquilo que eram as pretensões de Ozon através das apostas altas que fez nos cenários, nas actrizes e no próprio universo diminuto em que rodou a sua história. Ao cinema por vezes não bastam competência interpretativa, preciosidades decorativas e uma excelente optimização do espaço relativamente às características específicas do enredo. Junto com outros pormenores, que não interessará agora enumerar, o cinema necessita muitas vezes de algo que aqui não me parece que tenha existido o suficiente: rasgo narrativo e vigor emocional, já que a vertente intelectual da comédia é extremamente meritória. Em suma, e pese embora o referido, um filme a descobrir pela generalidade dos espectadores mas muito em especial pelos adeptos do género revivalista que encarna.“

Joaquim Lucas
(7arte.net)
2002.10.14, http://www.7arte.net/cgi-bin/c_critica.pl?id=Joaquim%20Lucas-01723

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Cinemascópio: Ciclo Laços de Sangue - Próxima 6ª feira, 20 de Novembro: O Meu Filho Fanático, de Udayan Prasad

2009-11-18T20:20:00.003Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Laços de Sangue

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 20 Novembro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Meu Filho Fanático
My Son The Fanatic

Realizador: Udayan Prasad

Com:
Om Puri
Rachel Griffiths
Akbar Kurtha
Stellan Skarsgård
Gopi Desai
Duração: 88 minutos

Idade: M/16
Género: Drama
País de Origem: Reino Unido/ França
Ano: 1997, Cor

SINOPSE

Parvez é um taxista, emigrante de origem indiana, "cidadão do mundo" que gosta de todas as coisas, das especialidades inglesas à prostituta local, Bettina. Schitz é um homem em busca do prazer, um homem de negócios alemão em visita a Londres, que já incluiu Bettina nos seus planos. Parvez é casado com Minoo, uma mulher sofredora, e tem um filho, Farid, um adolescente à procura de si próprio. O fundamentalismo cruza-se com o hedonismo ocidental na mesa da cozinha de uma família asiática. Enquanto Parvez trabalha muitas horas por pouco dinheiro, o seu amigo emigrado Fizzy conseguiu juntar uma fortuna com o seu restaurante de sucesso. Mas a vida de Parvez muda quando Schitz entra no seu táxi à saída do aeroporto, e ele lhe mostra a cidade. Schitz passa a ser seu cliente regular, bem como a recorrer frequentemente aos serviços de Bettina. Farid começa a adoptar um comportamento estranho, abandona a sua namorada branca (e filha do chefe da polícia local) e começa a vender os seus pertences. Parvez descobre que este comportamento não se deve ao consumo de droga mas à obediência a rigorosos preceitos religiosos. Entretanto, afasta-se cada vez mais da mulher. As suas ideias sobre o mundo estão a ser viradas do avesso e, no meio de todos os tumultos, ele encontra ternura e amor no lugar mais inesperado: nos braços de Bettina.

http://www.mooxuu.com/films/detail/13734/

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Apoio: Mede Vinagre

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Próxima sessão, dia 27 Novembro 09: 8Mulheres, de François Ozon

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Cinemascópio: Ciclo Laços de Sangue – Hoje, 6ª feira: A Canção Mais Triste do Mundo, de Guy Maddin

2009-11-13T16:29:00.002Z

Cinemascópio: Ciclo Laços de Sangue - Próxima 6ª feira, 13 de Novembro: A Canção Mais Triste do Mundo, de Guy Maddin

2009-11-10T02:56:00.003Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Laços de Sangue

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 13 Novembro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

A Canção Mais Triste do Mundo
The Saddest Music In The World

Realizador: Guy Maddin

Com:
MARK MCKINNEY – Chester Kent
ISABELLA ROSSELLINI – Lady Port-Huntly
MARIA DE MEDEIROS – Narcissa
DAVID FOX – Fyodor
ROSS MCMILLAN – Roderick/Gavrillo

Duração: 100 minutos

Idade: M/12

Género: Comédia / Drama
País de Origem: Canadá
Ano: P/B, Cor, 2003

SINOPSE

1933. A Grande Depressão está no seu auge. Quando Chester Kent, um falhado empresário da Broadway, e Narcissa, a sua namorada amnésica, regressam à terra natal de Chester, vão deparar-se com uma espinhosa reunião familiar e um caótico concurso para encontrar a canção mais triste do mundo, organizado pela cervejaria local, dirigida pela amarga Lady Port-Huntly.
Complexas relações começam rapidamente a revelar-se: no passado, Chester e Lady Port-Huntly foram amantes, relação que também envolvia o pai de Chester, Fyodor. Os três estiveram envolvidos no acidente de carro que levou à amputação de ambas as pernas de Lady Port-Huntly.
Ao mesmo tempo, Roderick, irmão de Chester, enfrenta o abandono da sua mulher. Não demora muito para percebermos que essa mulher é Narcissa.
Sendo os três Kent músicos, rapidamente se deixam envolver na busca da canção mais triste do mundo...

http://www.dvdpt.com/a/a_cancao_mais_triste_do_mundo.php

“Depois de Cronenberg e Egoyan, o Canadá exporta Guy Maddin que transforma A MÚSICA MAIS TRISTE DO MUNDO numa espantosa comédia.
Guy Maddin não filma como os outros, filma como ninguém – a preto e branco, ou aplicando grão na cor embriagada, piscando o olho ao Expressionismo Alemão ou ao cinema soviético dos anos 20, assumindo as deficiências na montagem, a instabilidade na câmara, o caos na sua disciplina formal. Assim, A MÚSICA MAIS TRISTE DO MUNDO inspirado num livro de Kazuo Ishiguro, não é um filme novo, é o mais velho novo filme em cartaz.
A MÚSICA MAIS TRISTE DO MUNDO passa-se nos anos 30, com a América do Norte a viver a sua Depressão. Não apenas como sentimento de crise gerado pela queda da bolsa em 1929 ou os apertos na garganta originados pela lei seca - Depressão é o estado de espírito geral da época. Não há dinheiro para pagar vícios, mas não deixa de haver vícios para contrair dívidas. No meio da Lei Seca em Winnipeg, no Canadá, alguém decide molhar o bico. A baronesa Isabella Rossellini, que tem alguidares de cerveja para dar e vender, decide que o segredo para o melhor negócio é organizar um Festival Internacional que revele a música mais triste do mundo e faça mergulhar o povo ainda mais na Depressão. A melancolia chega da Sérvia, México, Reino de Sião, África colonial, América - alto e pára o baile! Este filme tem a ousadia de apresentar a Maria de Medeiros como protagonista e ninguém se lembra sequer de mandar cantar o fado, genuinamente a música mais triste do mundo?
Maddin é um original e um visionário, embora raramente em simultâneo. Há nele tanto de genial como de tosco, uma combinação de suavidade com truculência. De um lado Tim Burton, do outro Ed Wood. Hoje David Lynch, amanhã Eisenstein. Alguém escreveu que Maddin tenta encontrar o "equilíbrio entre o ridículo e o sublime", e as suas extravagâncias trocam-nos as voltas. Num dos seus filmes, Careful (92), os habitantes duma vila canadiana hesitam em levantar a voz com receio de provocar uma avalancha. The Heart of the World (2000), exibido nos festivais de Imago e Vila do Conde, é uma curta-metragem que homenageia os clássicos russos do cinema mudo. Mas a banda sonora é uma pompa operática que anuncia a catástrofe gongórica de uma singela relação triangular. A chegar aos 50 anos, Maddin diz que um dos segredos para a longevidade do corpo e da criação artística é alternar a caminhada trivial na rua com um golpe de dança pontual e esquizofrénico, tipo Serenata à Chuva. Para nós, que vivemos num país onde não chove, o twist à rotina dos dias pode ser providenciado por mil e uma acções, sendo a mais urgente a de entrar rapidamente no universo de um filme made in Maddin.“

Miguel Somsen, Vogue, Março de 2005

ENTREVISTA a GUY MADDIN (retirada da IndieWIRE)

IndieWIRE: Para além de ser a sua terra natal, Winnipeg é o centro do universo cinematográfico de Guy Maddin. Acha que os seus fans têm noção de que este sítio existe de facto, fora dos seus filmes?

Guy Maddin: Não sei. Os Canadianos são péssimos a criar mitos. Encaro como uma missão criar mitos para este país. Todos os outros países engrandecem os seus heróis. Por alguma razão, os Canadianos vêm as coisas pelo lado errado e transformam possíveis feitos heróicos em episódios sem importância. Então pensei que se ninguém ia fazer um mito sobre Winnipeg então seria eu próprio a fazê-lo.

IndieWIRE: Como é que os habitantes de Winnipeg vêm os seus filmes e a si como realizador?

Guy Maddin: Os habitantes de Winnipeg são bastante cínicos e cépticos. Temos que ir embora e voltar como filho pródigo e só depois eles poderão gostar de nós. Isto é uma forma complicada de dizer que eu acho que ninguém gosta muito de mim em Winnipeg. O pior que podes fazer é deixares-te expor em demasia. Se detectar qualquer tipo de presunção a cidade engole-te e cospe-te. Eu não dou muitas entrevistas nem tiro muitas fotografias. A maioria das pessoas nem sabe quem eu sou fisicamente. Esporadicamente, quando estreio um novo filme, saem alguns artigos e eu consigo sentir o ódio a percorrer a cidade.

IndieWIRE: Em A MÚSICA MAIS TRISTE DO MUNDO os dois irmãos Canadianos afirmam possuir diferentes identidades nacionais, Sérvia e Americana. Trata-se dum reflexo da identidade nacional Canadiana ou a falta dela?

Guy Maddin: É tipicamente Canadiano. São tantos os Canadianos que querem ser Americanos que muitos chegam mesmo a emigrar e tornar-se completamente Americanos. Igualmente comuns são pessoas que se reconciliam com os seus antepassados de há duas ou três gerações atrás e tornam-se étnicos activos. A América é referida como o “melting pot” e o Canadá intitula-se a si próprio como um mosaico cultural.

IndieWIRE: Winnipeg é mesmo o local mais triste do mundo?

Guy Maddin: Sem qualquer dúvida. Foi muito marcada pela Grande Depressão. É a cidade mais fria e escura do Norte da América.

IndieWIRE: Pode, de uma vez por todas, clarificar o mito que o declara o David Lynch do Canadá? Existe alguma relação para além de ambos criarem obras que lembram sonhos e apresentarem a Isabella Rossellini com perucas baratas?

Guy Maddin: Em primeiro lugar, fico contente de alguém falar de mim. Tem alguma legitimidade comparar o seu primeiro filme com o meu. Eu gostei mesmo muito de ERASERHEAD. Esse filme deu-me coragem para fazer filmes. O distribuidor do ERASERHEAD também distribuiu TALES FORM THE GIMLI HOSPITAL, o meu primeiro filme. São filmes diferentes, aliás ERASERHEAD é muito melhor. Quando o vi pensei: “Isto é a minha biografia. Como é que alguém leu a minha mente e a projectou num ecrã?”. Não consegui dormir nessa noite. O que me surpreendeu foi tratar-se dum filme de pouco orçamento, com actores sem provas dadas e mesmo assim ele não desanimou. Pelo menos sou comparado a alguém que admiro bastante.

IndieWIRE: Como foi trabalhar com Isabella Rossellini?

Guy Maddin: Ela era perfeita para o papel e nós pensámos nela enquanto escrevíamos o argumento. Foi uma honra poder falar com ela ao telefone e tentar convencê-la a vir até Winnipeg fazer um filme. Quando ela aceitou desatei a rir pois tinha conseguido enganá-la e convencê-la a vir em Fevereiro. Filmámos num estúdio sem aquecimento como em qualquer fábrica siderúrgica abandonada e foi o Inverno mais frio dos últimos anos.

IndieWIRE: Não foi esse o local de rodagem que usou para TWILIGHT OF THE ICE NYMPHS?

Guy Maddin: Não. Essa foi uma outra fábrica abandonada. Existem muitos edifícios abandonados em Winnipeg. Nós, na verdade, nunca recuperámos da “quinta-feira negra”, em Outubro de 1929.

IndieWIRE: E portanto todos sobreviveram à rodagem? Ninguém morreu de hipotermia?

Guy Maddin: Não, pelo contrário. Fez com que as pessoas se unissem. Todos os filmes precisam dum bode expiatório ou um inimigo em comum. Neste caso era o tempo, mais precisamente, o frio. As dificuldades devido às condições atmosféricas eram imensas pois estávamos sempre em interiores e nunca víamos a luz do dia, sempre com temperaturas negativas. A Maria de Medeiros chegou mesmo a passar um mau bocado. Ela é de Portugal onde 26º já é frio. Não estava preparada para Winnipeg. Demorou um pouco até que ficássemos amigos pois ela disse-me, durante a rodagem, que eu era o realizador com quem ela tinha trabalhado que mais lhe havia mentido. Acho que ela nunca vai voltar.

IndieWIRE: No passado comentava que tinha medo que os actores desviassem o filme do que pretendia com as suas performances. Sentiu esse medo quando começou a rodagem deste filme?

Guy Maddin: Sim, claro. Temia de morte que eles não conseguissem entrar no espírito e tornasse o filme pastiche. Felizmente funcionou.

IndieWIRE: Chester Ken difere de todos os protagonistas que já vimos nos seus filmes anteriores.

Guy Maddin: Quando eu e o co-argumentista, George Toles, estávamos a escrever pensámos em Billy Wilder no ACE IN THE HOLE com um pouco de Jimmy Cagney no YANKEE DOODLE DANDY. Aquele tipo de pessoas que independentemente das vezes que são derrubadas acabam sempre por reerguer-se. Queria ter um protagonista que fizesse com que o filme avançasse. Queria evitar o pastiche porque se tratava dum filme de época. Não queria que o tratassem como uma paródia ou sátira. Pedi ao Mark Mckinney para tratar a sua personagem como um papel dramático. Ele começou mal, num estilo de comédia em sketch porque eu lhe disse que tinha sido inspirado pelo James Cagney e penso que ele ficou possuído pelo seu espírito. Mas ele sabe o que faz e é um Canadiano com tão baixa auto-estima que bateu com a cabeça na parede, literalmente, até lá chegar.

IndieWIRE:Como lida com a sua própria tristeza e angústias? É um lema de vida?

Guy Maddin: Sempre que alguém me pergunta quais foram os momentos altos da minha vida, eu descrevo-os com uma qualidade mítica e normalmente refiro-me a tragédias familiares, os acontecimentos mais amargos. Parece-me que a melhor forma de os apresentar é tratá-los como comédia.

IndieWIRE: Portanto, entre a tristeza e o Prozac, o que escolhe?

Guy Maddin: A tristeza é o meu Prozac. Especialmente a autocomiseração. Não preciso que me aconteça mais nada na vida. Tenho bastante tristeza de reserva. Normalmente consigo deitar-me com uma boa memória “vintage” e ir bebendo dela ao longo da noite.

IndieWIRE: No filme é óbvio o comentário à forma como os Estados Unidos lidaram com a tristeza durante os anos 30 através da fuga providenciado por Hollywood e por tudo o resto. Qual é o comentário sobre os nossos tempos?

Guy Maddin: Hoje em dia há tantos filmes que são filtrados através do sistema de projecções em que se testa a adesão dos espectadores que há imensos filmes que acabam com maus finais. Não há muitas pessoas que tenham coragem de ser verdadeiramente cruéis com as personagens, de lhes dar o que elas realmente merecem, de lhes dar o que até mesmo os espectadores secretamente querem mas não o sabem.

IndieWIRE: Existem muitos tipos de personagem e temas em A MÚSICA MAIS TRISTE DO MUNDO que serão familiares aos espectadores dos seus filmes. Continua a regressar ao tema da rivalidade masculina porquê?

Guy Maddin: Um dos sentimentos mais fortes que senti na minha vida de jovem adulto foi uma intensa rivalidade masculina. Com um outro realizador, bastante viajado, chamado John Paizs. Era uma competição intensa em todas as frentes e um triângulo amoroso. Não consegui tirá-lo do meu sistema durante alguns anos. Na arte, esta rivalidade aparece normalmente amplificada pois quando estamos em agonia fazemos as maiores loucuras. Fiz GIMLI HOSPITAL nessa altura. É um filme sobre um triângulo amoroso entre dois tipos e uma rapariga morta. A dada altura percebi que havia retirado a rapariga da fórmula e mantido a rivalidade. Existe tanto ódio intenso que se alguém critica o nosso rival, nós iríamos protegê-lo porque ele é o nosso rival. É quase homossexual sem a sexualidade. Esse era o motivo que fazia com que eles estivessem constantemente em luta em GIMLI.

IndieWIRE: Continua com aquele problema neurológico que faz com que sinta que está sempre a ser tocado ou agarrado?

Guy Maddin: Sim. Chama-se “myoclonus”. Sinto como se estivessem cinco dedos a tocarem-me constantemente, seja na cabeça, nos genitais, na face ou orelhas. Acontece cerca de seis a sete vezes por minuto. Não magoa. O meu neurologista diz que eu vou estar assim até aos 99 anos e depois ficarei curado. Mas agora, ao tomar a medicação para não ter essas sensações, sinto que estou a ficar viciado porque se não a tomo começo a andar 15 cm antes do meu corpo, como se estivesse fora de mim. É como se estivesse a observar-me com olhos estrábicos. Deixa qualquer pessoa louca.

IndieWIRE: Existe algum paralelismo entre essa condição neurológica e os outros fantasmas que o assombram, os fantasmas da memória, o seu pai, que morreu jovem, ou o seu irmão, que cometeu suicídio?

Guy Maddin: Passo muito tempo com os meus fantasmas. Não tanto com o meu irmão porque eu só tinha sete anos quando ele morreu. Por exemplo, as mulheres misteriosas nos filmes são, muitas vezes, formas de contar a história tendo como inspiração filmes que eu gosto – VERTIGO – ou contos de fadas que aprecio. A minha tia Lil é um dos fantasma que tenho. Foi a minha segunda mãe. Acho que estava demasiado assustado com a morte dela quando estava a acontecer que concentrei a minha atenção numa mulher com quem me envolvi e tive um caso amoroso ridículo. Ainda tenho sonhos em que imploro perdão à minha tia por a ter ignorado enquanto ela se despedia do mundo. Mas ela é um fantasma muito benigno, perdoa-me sempre.

IndieWIRE: Quando no filme A MÚSICA MAIS TRISTE DO MUNDO os vencedores de cada etapa escorregam para dentro dum tanque cheio de cerveja, só me lembrava do grande filme Canadiano STRANGE BREW...

Guy Maddin: Sim, talvez. Mas eu nem sequer vi o STRANGE BREW ainda. Inicialmente pensei que o filme pudesse ter como cenário uma distilaria e não uma fábrica de cerveja mas só a ideia de pensar em deslizar para dentro dum tanque de Gin não me pareceu tão atraente. Pensei que seria demasiado doloroso para algumas partes do corpo. Por isso mudei para cerveja. Fui o primeiro que teve de deslizar para dentro da cerveja para provar que não fazia mal. Correu bem mas não me apeteceu beber depois. Não me pareceu higiénico.”

JEREMY O’KASICK – INDIEWIRE

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Mede Vinagre

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Próxima sessão, dia 20 Novembro 09: O Meu Filho Fanático, de Udayan Prasad

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Cinemascópio: Ciclo Laços de Sangue – Hoje, 6ª feira: O Meu Irmão é Filho Único, de Daniele Luchetti

2009-11-06T02:55:00.001Z

Cinemascópio: Ciclo Suspeita em Suspense - Próxima 6ª feira, 6 de Novembro: O Meu Irmão é Filho Único, de Daniele Luchetti

2009-11-04T21:03:00.003Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Laços de Sangue

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 06 Novembro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Meu Irmão é Filho Único
Mio Fratello è Figlio Unico

Realizador: Daniele Luchetti

Com: Elio Germano, Riccardo Scamarcio, Angela Finocchiaro, Massimo Popolizio, Ascanio Celestini, Diane Fleri, Alba Rohrwacher, Vittorio Emanuele Propizio, Claudio Botosso, Antonino Bruschetta, Anna Bonaiuto, Luca Zingaretti, Pasquale Sammarco, Lorenzo Pagani, Matteo Sacchi, Gianluca Viola, Vincenzo Santillo, Alessandro Vicca.

Duração: 108 minutos

Idade: M/12
Género: Comédia / Drama
País de Origem: França, Itália
Ano: Cor, 2008

SINOPSE

Accio, um fascista susceptível, é a causa do desespero dos seus pais. Conflituoso, impulsivo e explosivo, arranja facilmente sarilhos, enfrentando cada batalha como se fosse uma guerra. O seu irmão, Manrico, é um comunista fascinante. É bonito, carismático, amado por todos, mas igualmente perigoso... No dia-a-dia de uma pequena cidade italiana nos anos 60 e 70, os dois irmãos lançam-se em crenças políticas opostas, estão apaixonados pela mesma mulher e, em permanente confronto, vivem um período das suas vidas pleno de fugas, retornos, conflitos e grandes paixões. É uma história sobre o crescimento de dois irmãos e 15 anos de história da Itália passam, enquanto vemos as vivências de Accio e Manrico, tão diferentes mas tão iguais...

http://www.dvdpt.com/o/o_meu_irmao_e_filho_unico.php

“A luta de classes, as querelas ideológicas, o calor da discussão política, são ingredientes com lugar de relevo na história do cinema italiano. Sem procurar necessariamente aí uma caução para O Meu Irmão É Filho Único, o realizador Daniele Luchetti encontrou, nas páginas do romance de Antonio Pennacchi, Il Fasciocomunista, uma história na qual toda esta escola narrativa se projectava numa outra característica de referência do cinema do seu país: o "clássico" conflito entre irmãos. Com argumento assinado pela dupla constituída por Sandro Petraglia e Stefano Rulli (os mesmos de A Melhor Juventude), O Meu Irmão É Filho Único acaba por se afirmar como um herdeiro natural de todas estas tradições.Com alguma razão, o realizador defende que este não é um filme político. Mas, antes uma história de irmãos que se envolvem na luta política. A acção decorre ao longo da década de 60, em Latina uma cidade criada em 1932 por Mussolini sobre antigos terrenos pantanosos. E em Latina encontramos uma família proletária. O filho mais velho, Manrico (interpretado por Riccardo Scamarcio), é um comunista convicto e trabalha numa fábrica. O mais novo, Accio (Elio Germano), mais dado aos livros que ao trabalho de braços, depois de abandonar o seminário ao sentir desejos menos próprios a quem visa o celibato, acaba seduzido pela doutrina oposta à que o irmão defende. Ignorado pela família, encarado pelos pais e irmãos (há uma irmã, pelo meio) como um fardo depois de frustrada a carreira no sacerdócio que todos viam como a melhor solução para uma casa de baixos rendimentos, Accio encontra amizade num vendedor de tecidos, assumido fascista, saudoso da Itália de Mussolini. O seu discurso e visões encantam o jovem, que rapidamente acaba inscrito numa célula política da região e começa a participar em acções. Em algumas delas entrando em conflito directo com o irmão mais velho. Sem tomar partido por qualquer das partes, centrando a atenção mais na conflituosa relação familiar que no debate de ideias, o filme abre contudo janelas de lucidez crítica perante os excessos característicos de alguns extremismos. E é hilariante o momento em que o Conservatório "ocupado" apresenta uma Ode à Alegria, de Beethoven, com letra "desfascistizada" (como a apresentam), onde não faltam referências aos grandes ideólogos do comunismo. Belíssima direcção de actores, ritmo intenso, e uma cuidada recriação da Itália de 60 garantem a verosimilhança a um conflito que não se esgota contudo no seu mais evidente tutano político. A música desempenha um papel importante na caracterização de época que o filme respeita. Através da utilização de vozes e êxitos característicos da Itália de então, a viagem no tempo é irrepreensível. Desde os anos 90, um dos efeitos mais significativos da "berlusconização" da sociedade italiana é a formatação televisiva: mais do que um modelo de programação, o divertimento acéfalo transformou-se numa filosofia existencial e numa moral colectiva, todos os dias empenhada no esvaziamento do indivíduo e da sua dignidade. Para o perceber, basta ver O Caimão (2006), de Nanni Moretti. Obviamente, não se trata de uma questão que se possa reduzir à gestão de Silvio Berlusconi (nem sequer é um problema meramente italiano, como bem sabemos). Já antes de tudo isso, a obra de um cineasta como Federico Fellini estava cheia de sinais de desencanto face à mediocridade galopante da televisão: basta citar esse filme terminal que é Ginger e Fred (1986). Vale a pena voltar a lembrar tudo isso a pretexto de O Meu Irmão É Filho Único. Se outros méritos não tivesse, o filme de Daniele Luchetti bastaria para mostrar que a normalização televisiva, apesar da sua violência social e simbólica, não conseguiu destruir a vitalidade de um cinema que se mantém fiel às suas mais nobres tradições: e a primeira que aqui emerge, em todo o seu esplendor humano (e humanista), é a do género melodramático. Ao filmar o drama de dois irmãos separados pelas crenças ideológicas, um fascista, outro comunista (espantosas interpretações de Elio Germano e Riccardo Scamarcio), Luchetti consegue traçar um elucidativo retrato das convulsões sociais na Itália dos anos 60/70. O impacto emocional de tal retrato depende, no essencial, da preservação dos valores do melodrama familiar, sendo o primeiro e inalienável desses valores o respeito pela singularidade individual (justamente o oposto daquilo que, todos os dias, nos é imposto pela reality TV). Há poucos dias, com a morte de Dino Risi, desapareceu um dos últimos realizadores da idade de ouro desse cinema italiano que sempre soube olhar de frente os factos e contradições do seu próprio país: Luchetti é um legítimo e brilhante herdeiro de tal tradição. Num Verão dominado pelo ruído promocional de Sexo e a Cidade, os grandes sentimentos e emoções vêm de Itália. Incluindo o sexo, se é que é importante referi-lo.»

João Lopes, in DN 19 Jun’08, http://www.cineclubeguimaraes.org/filme.php?id=2730

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Mede Vinagre

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Próxima sessão, dia 13 Novembro 09: A Canção Mais Triste do Mundo, de Guy Maddin

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Cinemascópio: Novo Ciclo Temático já na próxima 6ª feira – Laços de Sangue –no Mede Vinagre

2009-11-04T19:19:00.002Z

Caros Amigos,

Na próxima 6ª feira, dia 6 de Novembro, o Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos inicia um novo Ciclo, Laços de Sangue.

Será então esta a programação para o mês de Novembro de 2009:

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos
Laços de Sangue

Novembro 2009

ENTRADA LIVRE

1º- O Meu Irmão é Filho Único, de Daniele Luchetti (06/11)

2º - A Canção Mais Triste do Mundo, de Guy Maddin (13/11)

3º -O Meu Filho Fanático, de Udayan Prasad (20/11)

4º - 8 Mulheres, de François Ozon (27/11)

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Mede Vinagre

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Próxima sessão, dia 06 Outubro 09: O Meu Irmão é Filho Único, de Daniele Luchetti

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Cinemascópio: Alteração do filme para a próxima sessão – Amanhã, 6ª feira, 30 Outubro: O Grande Salto, de Ethan e Joel Coen

2009-10-29T18:34:00.003Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

ATENÇÃO: Por motivos alheios à nossa vontade (indisponibilidade do filme por parte de quem o cederia para esta sessão), não exibiremos, conforme estava previsto o filme de animação O Castelo Andante, de Hayao Miyazaki. Em sua substituição, exibiremos O Grande Salto, de Ethan e Joel Coen. As nossas desculpas pela alteração, tão súbita e imprevista.

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 30 Outubro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Grande Salto
The Hudsucker Proxy

Realizadores: Joel e Ethan Coen
Com: Tim Robbins, Jennifer Jason Leigh, Paul Newman, Charles Durning, John Mahoney, Jim True-Frost, Bill Cobbs, Bruce Campbell, Harry Bugin, John Seitz.
Duração: 111 minutos

Idade: M/12
Género: Comédia
País de Origem: Reino Unido, Alemanha, EUA
Ano: Cor, 1994

SINOPSE

Na sequência do suicídio de Waring Hudsucker, presidente das bem sucedidas Indústrias Hudsucker, a sua equipa de directores chefiada por Sidney Mussburger (Paul Newman) engendra um plano brilhante para ganhar muito dinheiro: Nomear um inapto para gerir a empresa. Quando o valor das acções baixar o suficiente, Sidney e os amigos compram-nas a baixo custo, assumem o controlo da empresa e recuperam as suas respectivas fortunas. Para tal, escolhem o idealista Norville Barnes (Tim Robbins), que acaba de entrar ao serviço da empresa como distribuidor de correio. Norville é suficientemente nabo para conduzir qualquer empresa à ruína, porém, a situação muda quando a implacável repórter Amy Archer, suspeitando do esquema, inicia uma investigação secreta sobre as Indústrias Hudsucker.

http://cinema.ptgate.pt/filmes/2760

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

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Próxima sessão, dia 06 Novembro 09:O Meu Irmão é Filho Único, de Daniele Luchetti

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Cinemascópio: Intervalo Animado - Hoje, 6ª feira: O Grande Salto, de Ethan e Joel Coen

2009-10-27T20:45:00.008Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 30 Outubro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Grande Salto
The Hudsucker Proxy

Realizadores: Joel e Ethan Coen
Com: Tim Robbins, Jennifer Jason Leigh, Paul Newman, Charles Durning, John Mahoney, Jim True-Frost, Bill Cobbs, Bruce Campbell, Harry Bugin, John Seitz.
Duração: 111 minutos

Idade: M/12
Género: Comédia
País de Origem: Reino Unido, Alemanha, EUA
Ano: Côr, 1994

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Mede Vinagre

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Próxima sessão, dia 06 Novembro 09:O Meu Irmão é Filho Único, de Daniele Luchetti

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Cinemascópio: Intervalo Animado - Próxima 6ª feira, 30 Outubro: O Castelo Andante, de Hayao Myizaki

2009-10-27T20:36:00.003Z

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Intervalo Animado

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 30 Outubro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Castelo Andante
Hauro no Ugoku Shiro
ハウルの動く城
Howl's Moving Castle

Realizador: Hayao Miyazaki
Com:(vozes) Baisho Chieko, Kimura Takuya, Miwa Akihiro, Gashuin Tatsuya, Kamiki Ryunosuke, Kato Haruko, Oizumi Yo, Isaki Mitsunori
Duração: 119 minutos

Idade: M/6
Género: Fantasia/ Animação
País de Origem: Japão
Ano: Côr, 2004

SINOPSE

Uma jovem mulher chamada Sophie é amaldiçoada por uma bruxa e transforma-se numa mulher velha e não é capaz de contar a ninguém a sua situação. Impossibilitada de continuar o seu trabalho na loja da sua mãe, ela vai para o castelo andante do famoso feiticeiro Howl. Sophie fica amiga de Calcifer, o demónio de fogo que governa o castelo e que está ligado a Howl por um contrato, cujos termos Calcifer não pode revelar. Prometem ajudar-se mutuamente. Tal como Calcifer, Howl também pode ver através do feitiço da bruxa e ele e Sophie apaixonam-se.

http://cinema.ptgate.pt/filmes/2760

“"Hauru no Ugoku Shiro" foi produzido pelo Estúdio Ghibli no Japão em 2004. Nos Estados Unidos, esta obra foi rebatizada como "Howl's Moving Castle" e, no Brasil, recebeu o nome de "O Castelo Animado". O autor desta obra é a lenda da animação japonesa, Hayao Miyazaki, que ficou muito conhecido no ocidente através da sua obra, "A Viagem de Chihiro". O filme foi inspirado na história da autora britânica Diana Wynne Jones, conquistou vários prêmios no Japão e, no ocidente, foi o vencedor do prêmio Osella do Festival de Cinema de Veneza em 2004.

A historia do filme é muito rica em significados mas, de uma forma geral, gira em torno da personagem Sophie, uma jovem que trabalha na chapelaria da sua família. Quando a jovem decide visitar a sua irmã no lugar em que esta trabalha, acaba conhecendo no meio do caminho o famoso feiticeiro Howl, que estava sendo perseguido por seres sombrios. Após visitar a sua irmã, Sophie volta para casa, onde acaba sendo apresentada à bruxa da Perdição, que a transforma numa velha de noventa anos, tudo porque a bruxa pensou que Sophie possuía um vínculo com o feiticeiro que mal acabara de conhecer.

Após isso, Sophie decide fugir de sua cidade natal para encontrar um novo lugar para morar e, claro, para que possa encontrar a cura para sua maldição. Depois de muito viajar, acaba por encontrar o castelo mágico andante, onde conhece o demônio Calcifer, o jovem aprendiz de magia Marko, e Howl, o senhor e mestre do castelo.

As cores utilizadas no filme são de uma beleza ímpar, as construções apresentadas nos cenários são dignos de uma obra européia do século XIX. A narrativa é envolta por vários mistérios, os quais, juntamente à sensibilidade e criatividade sem limites em relação ao universo da história e o desenvolvimento dos diferentes personagens ao longo da trama, fazem com que o público fique completamente envolvido até o final do filme.

A trilha sonora foi composta por Joe Hisaishi, um compositor que, apesar dos seus trabalhos independentes, é reconhecido por seus trabalhos no cinema e filmes publicitários. Em animes, este célebre autor-compositor já deu o seu toque em filmes como "Kaze no Tani no Naushika - Nausicaa", "Kiki's Delivery Service", entre outros.

Dentro de "Hauru no Ugoku Shiro", a trilha mostra-se impecável, convidando o público a entrar no universo do filme, dando ao mesmo um tom alegre e, ainda, oferecendo uma maior sensibilidade para o conflito dos personagens e dos diferentes ambientes.

O enredo é marcado por metáforas que abordam o tema da velhice e da guerra. A velhice é apresentada através da personagem Sophie, que acaba percebendo as vantagens e desvantagens da maturidade e, também, que a idade nunca pode servir como forma de fuga para a situação em que vive. Quanto à guerra, esta é mostrada impregnando cada vez mais a vida dos personagens, alterando a dinâmica do seu cotidiano e das suas relações com outras pessoas. É ressaltada no filme a questão da alienação que a guerra gera, onde nem os reinos em luta sabem o porquê desta disputa mas, apesar disto, continuam lutando. Um exemplo de alienação que pode ser percebido no filme, apresenta-se através dos magos que entraram na guerra e perderam a sua essência humana nas batalhas, a ponto de esquecer o que eles já foram um dia.

Howl é uma lenda neste mundo e reconhecido como um dos mais poderosos magos existentes. No entanto, durante o decorrer da história, podemos perceber as suas fragilidades e o seu lado mais humano. Apesar de tudo, continua sendo uma pessoa gentil e pacifista mas, por ter perdido o seu coração, acabou perdendo o seu equilíbrio espiritual, o que faz com que ele, muitas vezes, se perca dentro das batalhas ou na depressão. O fato de ter perdido o seu equilíbrio é um dos motivos para que a sua Mestra, a madame Suliman, queira eliminá-lo, apesar dos sentimentos que tem por este: afinal, ele foi um dos discípulos mais brilhantes que ela já teve.

Mas a personagem que realmente marcou o filme e cativou o coração de todos os espectadores foi Sophie. Apesar de no começo parecer uma jovem de 18 anos sem vida, sem brilho e que acabou sendo transformada em um velha, durante a historia ela vai demonstrando a sua verdadeira força, uma força capaz de vencer o impossível para defender as pessoas à sua volta mas, acima de tudo, de proteger o seu amado.”

fonte animehaus, http://zeronotsukaima.ativo-forum.com/animes-mangas-desenhos-animados-f9/o-castelo-andante-filme-t48.htm

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Próxima sessão, dia 06 Novembro 09:O Meu Irmão é Filho Único, de Daniele Luchetti

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Cinemascópio: Ciclo Suspeita em Suspense - Hoje, 6ª feira, 23 Outubro: As Diabólicas, de Henri-Georges Clouzot

2009-10-22T21:00:00.004+01:00

Cinemascópio: Ciclo Suspeita em Suspense - Próxima 6ª feira, 23 Outubro: As Diabólicas, de Henri-Georges Clouzot

2009-10-22T20:43:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Suspeita em Suspense

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 23 Outubro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

As Diabólicas
Les Diaboliques

Realizador: Henri –Georges Clouzot
Com: Simone Signoret, Véra Clouzot, Paul Meurisse, Charles Vanel, Jean Brochard, Pierre Larquey, Michel Serrault, Thérèse Dorny, Noël Roquevert, Yves-Marie Maurin, Georges Poujouly, Georges Chamarat, Jacques Varennes.
Duração: 112 minutos

Idade: M/16
Género: Thriller / Policial
País de Origem: França
Ano: P/B, 1955

SINOPSE

As Diabólicas é um filme clássico de suspense de um nível raramente alcançado pelos filmes seus contemporâneos. Tendo servido de inspiração ao filme Psycho, entre outros, esta obra tem muitos imitadores, mas poucos pares. Tanto a mulher (Vera Clouzot) de um tirano professor de escola - Delasalle (Paul Meurisse) - de um colégio interno degradado, como a sua amante (Simone Signoret) procuram uma fuga, pois ele maltrata ambas. Elas decidem então unir esforços para assassinar o seu atormentador.
As duas mulheres afogam Delasalle no banho e depois atiram o corpo para uma piscina. Quando a piscina é drenada e nenhum corpo é encontrado, elas começam a preocupar-se. Quando o fato dele é devolvido, limpo, entram em pânico.
Estará ele vivo? Mais alguém saberá? Uma espiral de tensão, urdida com mestria precipita o espectador vertiginosamente para uma conclusão sem paralelo e um final que nunca esquecerá!
Tanto assustador como fascinante, em igual medida, este filme resiste à passagem do tempo e continua a ser um clássico.

http://www.dvdpt.com/a/as_diabolicas.php

“Em 1954, quatro anos antes de Alfred Hitchcok realizar nos Estados Unidos «Vertigo» - A Mulher Que Viveu Duas Vezes - a partir do romance «D'entre les Morts» de Pierre Boileau e Thomas Narcejac, Henri-Georges Clouzot fazia, em França, com Simone Signoret e Véra Clouzot, «Les Diabóliques» - As Diabólicas -, adaptando ao cinema o romance «Celle qui n'était plus» também de Boileau-Narcejac. O tema comum aos dois livros e aos dois filmes é o da «reaparição» de alguém que aparentemente teria morrido.
Tratam-se de histórias de contornos policiais - há sempre um crime ou a vontade de matar alguém, os seus personagens são pessoas presumivelmente «normais», com profissões respeitáveis (professores ou industriais), alguém será logrado na encenação de uma morte... - com um toque de mistérios do Além... Comparar «Les Diabóliques» com «Vertigo» é um exercício interessante para estudiosos do tratamento do argumento cinematográfico em função dos efeitos pretendidos pela «mise en scène», ou seja pelo realizador.
Georges-Henri Clouzot depois de desvendada a intriga termina o seu filme pedindo aos espectadores que não contem aos amigos como é que acaba. «Não sejam diabólicos, não destruam o interesse que os vossos amigos poderão ter em vir ver este filme. Não lhes contem o que viram!» E a verdade é que, sabendo a «história», a visão de «Les Diáboliques» perde quase tudo. Contra o primado do argumento, ergueu Alfred Hitchcock em 1958, com «Vertigo» o primado do cinema e ver e rever «Vertigo» é sempre um prazer mesmo conhecendo a «história» e sabendo como é que tudo vai acabar.
«Les Diaboliques» conta a «história» de Michel Delasalle (Paul Meurisse), o odioso e sádico director de um Colégio, que maltrata quer a mulher, Christina (Véra Clouzot, mulher do realizador) quer a amante, Nicole (Simone Signoret), professora no Instituto Delassale. Christina e Nicole são amigas e combinam entre si o assassinato de Michel. Embebedam-no com uísque envenenado, afogam-no na banheira da casa e arrastam o corpo do seu malfeitor até à piscina, apostando tudo na tese da morte por afogamento depois de uma bebedeira. Só que... no dia seguinte ao crime não há qualquer corpo na piscina. E esvaziada a piscina, o senhor Delasalle continua sem aparecer. É a partir daqui que se desenvolve o processo de explicação do mistério que conduzirá à solução desta história do reino das aparências.(…)»

Leonor Pinhão, www.publico.clix.pt

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O Amigo que lembramos!

2009-10-21T01:22:00.003+01:00

Porque hoje é dia 21 de Outubro
Aniversário de nascimento do Alexandre Bahia!

Cinemascópio: Ciclo Suspeita em Suspense - Próxima 6ª feira, 16 Outubro: Nada a Esconder, de Michael Haneke

2009-10-15T03:20:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Suspeita em Suspense

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 16 Outubro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

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ENTRADA LIVRE

Nada a Esconder
Caché

Realizador: Michael Haneke
Com: Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Maurice Benichou, Annie Girardot
Duração: 114 minutos

Idade: M/16
Género: Thriller / Drama
País de Origem: França/Áustria/Alemanha/Itália
Ano: Cor, 2005

SINOPSE

Georges, apresentador de um programa televisivo de crítica literária, recebe pacotes contendo vídeos dele próprio com a sua família - filmados secretamente da sua rua - e desenhos alarmantes de significado obscuro. Não faz ideia de quem possa ser o autor. Gradualmente, o material contido nas cassetes torna-se mais pessoal, sugerindo que o remetente conhece Georges há algum tempo. Georges sente a ameaça pairar sobre si e a sua família mas, devido à inexistência de uma ameaça directa, a polícia recusa-se a ajudá-lo.

www.cineteka.com

“O mínimo que se pode dizer sobre [CACHÉ], em português "escondido", título bem mais feliz do que o escolhido, mesmo que repetido ao longo do filme por Daniel Auteuil, é que se trata de um dos melhores thrillers psicológicos dos últimos tempos, uma demonstração de como os mecanismos do medo e da violência funcionam de modo subtil e sublime.
Uma família trivial, ele apresentador de um programa de televisão sobre literatura, ela trabalhando numa editora cujo patrão é amigo do casal e um filho estudante de liceu, vê a sua vida perturbada pela inesperada chegada às suas mãos de cassetes de vídeo acompanhadas de estranhos desenhos, aparentemente infantis.
As cassetes contêm imagens captadas do exterior da sua casa, a invasão da privacidade desencadeia o medo do desconhecido, a suspeita vai-se generalizando, estendendo-se dos amigos do filho aos do casal, nos sonhos do marido despontam fantasmas antigos e perturbadores.
As coisas complicam-se, quando a desconfiança se instala no casal, surge a mentira, sob a pressão do que lhes está a acontecer, o casal parece afastar-se, tornar-se vulnerável.
Daniel Auteuil é Georges, Juliette Binoche é Anne, Annie Girardot interpreta o papel da mãe dele, fundamental no entendimento deste mistério que num encontro psicanalítico o levará e ao espectador até Majid, peça-chave entregue a Maurice Bénichou.
Sem um momento de violência física, sem um relance de sexualidade, o filme de Haneke é percorrido por uma tensão psicológica lançada aos olhos e ouvidos do espectador com grande mestria e mantida sem hesitações até ao plano final que nos deixa sem sabermos se será a realidade do filme, a visão subjectiva de uma personagem, as imagens de mais uma cassete a enviar a alguém, depois da imagem escurecer e as luzes se acenderem na sala de cinema.
Distinguido em Cannes com os prémios para melhor realizador, FIPRESCI e do Júri Ecuménico, e nos Prémios de Cinema Europeu nas categorias e melhores actor, realização, montagem e filme, para NADA A ESCONDER, de Michael Haneke, com Daniel Auteuil e Juliette Binoche, 4 écrans, filme decididamente a ver.”

Falco Fernandes, http://www.fm-media.net/news02/1085.htm

“Este texto foi publicado na revista «6ª», do «Diário de Notícias» (13 Jan. 2006), com o título `A doença das imagens`.

O novo filme de Michael Haneke, «Nada a Esconder», é um conto moderno sobre a vida das imagens, uma espécie de fábula assombrada sobre o poder daquilo que as imagens mostram e, sobretudo, do modo como o mostram. Bastará recordar o seu ponto de partida para nos apercebermos da inquietação que o atravessa: esta é a história de um casal, Georges e Anne Laurent (Daniel Auteuil/Juliette Binoche), que começa a receber cassetes de vídeo anónimas onde descobre imagens de si próprio, no dia a dia… Trata-se de um processo aparentemente chantagista, tanto mais perturbante quanto se começa a cruzar com algumas memórias traumáticas da infância de Georges.

Em todo o caso, não se julgue que o dispositivo montado por Haneke se reduz a uma lógica tradicionalmente policial. Ou seja: a eventual identificação dos responsáveis pelas imagens não basta para colocar um ponto final no drama do casal. Porquê? Porque aquilo que Haneke filma é um modo de vida em que as imagens, mais do que um “duplo” da realidade, passaram a existir como uma nova realidade, fortíssima e incontornável, enredada em todas as componentes da nossa existência.

Há, aliás, na definição do casal Laurent uma curiosa “oposição” que, num cinema tão preciso com os detalhes como é o de Haneke, está longe de ser indiferente. Assim, ambos trabalham com livros, mas ela fá-lo numa editora, enquanto ele apresenta um programa de divulgação na televisão. Quer isto dizer que Georges e Anne são personagens em trânsito entre a herança de um conhecimento predominantemente literário e a realidade triunfante de uma cultura dominada pelas imagens, ou melhor, pela gigantesca multiplicação dos respectivos circuitos de difusão. Daí o mal-estar que vai crescendo: as imagens que recebem são a prova real da sua vulnerabilidade, já que instalam no quotidiano, não o delírio canónico da ficção romanesca, mas uma espécie de hiper-realismo doentio que corrói todas as relações.

Daí também a infelicidade da solução adoptada para o título português. É certo que «Nada a Esconder» provém de uma frase dita pela personagem de Georges (que, face ao processo de “vigilância” a que a sua família é sujeita, proclama não ter “nada a esconder”). Mas é um título que inverte por completo a questão fulcral do filme, isto é, a existência de algo ou alguém “escondido” que vai dinamitando toda a estabilidade da vida quotidiana. A opção por «Nada a Esconder» é tanto mais inadequada quanto desmente também o original Caché (=escondido) que, aliás, nos mercados de língua inglesa deu origem à tradução literal «Hidden».

Haneke retoma, aqui, esse sentimento ambivalente que perpassava pelo seu extraordinário «Código Desconhecido» (2000), aliás também com Juliette Binoche. «Código Desconhecido» funcionava como uma metódica inversão do “naturalismo” gratuito da actualidade mediática e televisiva: alguns temas actuais (a violência no quotidiano, a agressão contra as mulheres, a errância europeia dos refugiados) reapareciam em tom de realismo fragmentário, visceral, irredutível. Em «Nada a Esconder», a questão da decomposição da vida privada surge, não como a excepção, mas a regra das sociedades de consumo pós-modernas.

Daí que seja inevitável sublinhar o que, face às ressonâncias “simbólicas” dos filmes de Haneke — lembremos a parábola política de «O Tempo do Lobo» (2002) — tantas vezes tende a ser esquecido. A saber: a espantosa riqueza psicológica do seu cinema. Na verdade, «Nada a Esconder» é também um retrato íntimo, obsessivo até ao pormenor mais delirante, de uma “família-como-as-outras” e da terrível ausência de comunicação que assombra as suas relações interiores. O efeito das cassetes anónimas no dia a dia dos Laurent é tanto mais violento quanto as suas imagens tornam sensível uma teia de solidões que tem o seu cume na personagem cinzenta, inquietante na sua opacidade, do jovem Pierrot (Lester Makedonsky), o filho do casal. Face ao mito das famílias “libertas” pelo bem-estar económico e tecnológico, Haneke contrapõe uma paisagem gélida de seres que, de facto, perderam o gosto, o afecto e até a própria ideia de comunicação.

Estreado no Festival de Cannes de 2005, «Nada a Esconder» (ou, insisto, Caché) é um fabuloso exemplo de um cinema de raiz europeia que possui uma abrangência temática e um sentido de risco que lhe conferem uma automática dimensão universal. Projectado internacionalmente através de «Funny Games» (1997), consagrado através de «A Pianista» (2001), Haneke confirma-se como um dos mais acutilantes retratistas de uma tragédia que o mundo televisivo todos os dias nos oculta: a de uma solidão que julgamos apagada pela simples proliferação das tecnologias de “comunicação”. No limite mais cruel, somos nós que estamos escondidos da nossa própria verdade.”

João Lopes, www.cinema2000.pt

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Próxima sessão, dia 23 Setembro 09:As Diabólicas, de Henri -Georges Clouzot

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Cinemascópio: Ciclo Suspeita em Suspense - Próxima 6ª feira, 09 Outubro: O Estrangeiro, de Orson Welles

2009-10-08T02:46:00.002+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Suspeita em Suspense

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 09 Outubro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Estrangeiro
The Stranger

Realizador: Orson Welles
Com: Edward G. Robinson, Orson Welles, Loretta Young, Philip Merivale, Richard Long

Duração: 95 minutos

Idade: M/12
Género: Drama/ Thriller/ Policial
País de Origem: EUA
Ano: P/B, 1946

SINOPSE
Wilson trabalha para a comissão aliada contra os crimes de guerra. Com a intenção de encontrar Franz Kindler, um oficial nazi responsável de ser um dos principais autores do genocídio contra o povo judeu, numa reunião da comissão, Wilson propõe que um associado de Kindler que está preso seja libertado, acreditando que assim este o levará ao paradeiro do primeiro.

É na pacata cidade de Harper, no Connecticut, que a pista termina. Foi aqui que este homem, acusado de ter sido um génio ao serviço do nazismo, encontrou o seu esconderijo e camuflagem perfeitos, integrando-se na melhor sociedade da cidade. Como será que o poderão desmascarar? Será o amor da sua mulher Mary (Loretta Young) suficiente para o salvar?

http://www.costacastelo.pt/main.php?goto=pesquisadvd&pesq=detalhe&id=326

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Próxima sessão, dia 16 Setembro 09:Nada a Esconder, de Michael Haneke

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Cinemascópio: Ciclo Suspeita em Suspense – Amanhã, 6ª feira: Crimes Invisíveis, de Wim Wenders

2009-10-01T23:45:00.001+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Suspeita em Suspense

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 02 Outubro.2009 - 21H45

no
Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Crimes Invisíveis
The End of Violence

Realizador: Wim Wenders
Com: Bill Pullman, Andie MacDowell, Gabriel Byrne, Tracy Lind, Rosalind Chao, Pruitt Taylor Vince, John Diehl, Richard Cummings, Chris Douridas, Nicole Parker

Duração: 122 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: EUA
Ano: 1996

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Próxima sessão, dia 09 Setembro 09:O Estrangeiro, de Orson Welles

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Cinemascópio: Ciclo Suspeita em Suspense - Próxima 6ª feira, 02 Outubro: Crimes Invisíveis, de Wim Wenders

2009-10-01T03:38:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Suspeita em Suspense

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 02 Outubro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Crimes Invisíveis
The End of Violence

Realizador: Wim Wenders
Com: Bill Pullman, Andie MacDowell, Gabriel Byrne, Tracy Lind, Rosalind Chao, Pruitt Taylor Vince, John Diehl, Richard Cummings, Chris Douridas, Nicole Parker

Duração: 122 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: EUA
Ano: 1996

SINOPSE

O cenário é de Outono em Los Angeles, a capital mundial das imagens, um mundo de glamour, riqueza e intriga sexual. O tema é o cinema como tráfico de imagens e a violência como a matéria de que os filmes são feitos. Porque, para Wenders, há demasiadas morte no cinema.
Um produtor cinematográfico norte-americano que enriqueceu à custa da exploração da violência no grande ecrã, Mike Max (Bill Pulman), está prestes a ser abandonado pela mulher. Entretanto, é raptado com o objectivo de ser assassinado, mas, misteriosamente, consegue fugir e os seus dois raptores são encontrados mortos. Encontrado ferido por uma simpática família de mexicanos que lhe dá guarida, começa a descobrir uma nova identidade. Tenta investigar sobre quem o quis ver morto mas depara-se com informação secreta do Governo sobre um sistema de segurança nacional...
A mulher de Mike, Paige Stockard (Andie McDowell), decepcionada com o marido que não lhe dá atenção, quer pôr termo a um casamento de fachada. Mas quando ele desaparece ocupa o seu lugar na empresa e torna-se ainda mais dura e determinada do que ele próprio.
Um antigo cientista da NASA, brilhante programador informático no activo, Ray Bering (Gabriel Byrne) é contratado pelo FBI para criar um experimental e sofisticado sistema de observação do crime. O objectivo: controlar manifestações de violência na cidade e acabar definitivamente com o crime. Observa a actividade dos cidadãos num muro de televisores, mas só vê aquilo que os seus superiores permitem que veja. No final acaba por descobrir que aquele sistema é tão perigoso como o próprio crime.

www.atalantafilmes.com

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Próxima sessão, dia 09 Setembro 09:O Estrangeiro, de Orson Welles

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Cinemascópio: Novo Ciclo Temático já na próxima 6ª feira – Suspeita em Suspense –no Mede Vinagre

2009-10-01T02:36:00.004+01:00

Caros Amigos,

Na próxima 6ª feira, dia 2 de Outubro, o Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos inicia um novo Ciclo, Suspeita em Suspense.

Será então esta a programação para o mês de Outubro de 2009:

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Suspeita em Suspense

Outubro 2009

ENTRADA LIVRE

1º- Crimes Invisíveis, de Wim Wenders (02/10)

2º - O Estrangeiro, de Orson Welles (09/10)

3º -Nada a Esconder, de Michael Haneke (16/10)

4º - As Diabólicas, de Henri- Georges Clouzot (23/10)

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Próxima sessão, dia 02 Outubro 09: Crimes Invisíveis, de Wim Wenders

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Cinemascópio: Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando - Próxima 6ªf, 25 de Setembro: O Selvagem, de Lázló Benedek

2009-09-23T20:50:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 25 Setembro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

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ENTRADA LIVRE

O Selvagem
The Wild One

Realizador: László Benedek

Com:
Marlon Brando .... Johnny Strabler
Mary Murphy .... Kathie Bleeker
Robert Keith .... Xerife Harry Bleeker
Lee Marvin .... Chino
Jay C. Flippen .... Xerife Stew Singer
Peggy Maley .... Mildred
Hugh Sanders .... Charlie Thomas

Duração: 79 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: EUA
Ano: 1953

SINOPSE

“O Selvagem é hoje um clássico do melhor cinema de todos os tempos.
Marlon Brando interpreta o papel de Johnny, o líder dum grupo de jovens inconformistas e desordeiros que invade uma pequena cidade da Califórnia com as suas motas. Kathie (Mary Murphy), uma rapariga local, fará com que Johnny comece a ver as coisas doutra forma.
Mas, quando Johnny está disposto a mudar, vai ter que enfrentar a incompreensão de todos e, principalmente, Chino (Lee Marvin), o seu pior rival.”

“O mito Marlon Brando deve a sua génese a uma combinação de dois ou três filmes, entre os quais se encontra este pequeno clássico sobre motociclistas, um dos primeiros (senão o primeiro, pelo menos em Hollywood) a associar o uso de motos e blusões de cabedal à rebeldia social. Brando representa o papel de Johnny, lider do Black Rebels Motorcycle Club (BRMC). A história é baseada em factos reais ocorridos em 1947, quando 4 mil membros de um clube de motociclistas fizeram uma concentração de três dias em Hollister, na Califórnia. Como era de se esperar, alguns deles meteram-se em pequenas confusões e acabaram detidos pela polícia local. Para tentar resgatar o episódio e valendo-se de uma dose de sensacionalismo, a imprensa local produziu uma fotografia em que algumas pessoas apareciam sobre motos, que por sua vez estavam rodeadas de garrafas de cerveja vazias. Pronto, isso bastou para que os norte-americanos considerassem, de forma generalizada, a moto como um sinónimo de juventude rebelde.”

http://cavaloalado.blogs.sapo.pt/10058.html

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Cinemascópio: Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando –Amanhã, 6ªf: Breakfast on Pluto, de Neil Jordan

2009-09-17T01:47:00.001+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 18 Setembro.2009 - 21H45
no
Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Breakfast on Pluto
Breakfast on Pluto

Realizador: Neil Jordan
Com: Cillian Murphy, Liam Neeson, Ruth Negga, Laurence Kinlan, Stephen Rea, Brendan Gleeson.

Duração:123 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: Irlanda/Reino Unido
Ano: 2005

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

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Próxima sessão, dia 25 Setembro 09: O Selvagem, de Lázló Benedeck

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Cinemascópio: Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando - Próxima 6ªf, 18 de Setembro: Breakfast on Pluto, de Neil Jordan

2009-09-15T13:52:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 18 Setembro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Breakfast on Pluto
Breakfast on Pluto

Realizador: Neil Jordan
Com: Cillian Murphy, Liam Neeson, Ruth Negga, Laurence Kinlan, Stephen Rea, Brendan Gleeson.

Duração: 123 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: Irlanda/Reino Unido
Ano: 2005

SINOPSE

Abandonado em bebé à porta de uma igreja na Irlanda, Patrick "Kitten" Braden (Cillian Murphy) desde cedo sobreviveu a uma realidade hostil graças ao seu encanto e à recusa em deixar alguém alterar a sua maneira de ser - um jovem desenquadrado do mundo que o rodeia e, principalmente, do seu corpo, o que o torna muito mais que um homossexual ou um travesti. Com a acção situada em Londres dos anos 70, "Breakfast on Pluto" dá-nos a conhecer a vida de Kitten e a sua busca incessante do amor e da verdadeira mãe, enquanto que, perdido, se vai envolvendo nos meandros da música, do ilusionismo, da prostituição e até do IRA.
Escrito e realizado por Neil Jordan - cineasta galardoado com Óscar -, o filme adapta de forma mágica e única o encantador romance de Pat McCabe e conta com uma brilhante interpretação de Cillian Murphy e ainda com desempenhos dos consagrados actores Liam Neeson, Stephen Rea e Brendan Gleeson.

www.dvdpt.com

“Depois de “The Butcher Boy” (1997), Neil Jordan adapta novamente um romance de Pat McCabe, desta feita contando a história de Patrick ‘Kitten’ Braden, na Irlanda/Londres dos anos 70, em plena convulsão social (à semelhança de “The Crying Game”, 1992, mistura também as questões de identidade sexual).

“Breakfast on Pluto” é um conto de fadas que começa com um par de melros a conversar enquanto debicam o leite poisado do lado de fora da porta.

Deixado à porta da casa de um padre na aldeia irlandesa de Tyreelin, Patrick (Cillian Murphy) é criado por uma mãe adoptiva Ma Braden (Ruth McCabe) que nunca compreendeu o seu gosto por roupas femininas. No final da adolescência, Patrick - já sob o nome de Kitten - parte para Londres em busca da mãe (Eva Birthistle), da qual pouco mais sabe do que as suas parecenças com a actriz Mitzi Gaynor. Na estrada, Kitten conhece uma banda chamada "The Mohawks" e apaixona-se perdidamente pelo vocalista Billy Hatchet (a estrela de rock britânica Gavin Friday). Este primeiro amor, tal como todos os outros, serão apenas um reflexo do que Kitten quer para si própria: ser amada exactamente como nas canções pop, mais concretamente como em “Honey” de Bobby Goldsboro (o título “Breakfast on Pluto” provém da canção “King of the London Buskers”de Don Partridge).

Kitten é ingénua e pura, seduzindo pela sua vulnerabilidade e tornando irresistível querer protegê-la. Os olhos penetrantes de Cillian Murphy também ajudam. Sem se importar se vive ou morre, Kitten acaba por viver uma vida de liberdade, tornando-se até assistente de mágico (Stephen Rea). Mas, mesmo apesar de todos os contratempos, alguns deles bastante violentos, Kitten mostra-se invencível. E nesta sobreposição do pessoal e do político, Kitten mostra-se inabalável, quer na sua identidade quer no seu ódio pela violência. Apesar do excesso de características heróicas acabar por retirar peso dramático à personagem, coloca-nos ainda mais no plano da fantasia, onde a realidade se mostra apenas em breves interlúdios.

Cillian Murphy carrega às costas esta história contada em capítulos, como um diário. A sua interpretação é excelente e completamente absorvente, conseguindo ser extremamente feminino sem ser afectado. Ao seu lado está a expressividade subtil de um Liam Neeson e a presença magnética de Brendan Gleeson. Um encontro de Kitten em Londres com Mr. Silky String permite-nos encher os olhos (à falta dos ouvidos) com Bryan Ferry.

O que nos fica de Kitten, e um pouco à laia de lição, é todo o seu optimismo, a sua entrega ao amor, incondicional de cada nova vez, onde os sofrimentos passados não corrompem a melhor ingenuidade. E onde, como canta Dusty Springfield em “The Windmills of your Mind”, a vida é uma ininterrupta roda, onde, em todos os momentos, temos o dever de ser felizes.”

http://cinerama.blogs.sapo.pt/

“Há quem já tenha pisado a Lua e pensado que dava um passo de gigante para o avanço da humanidade. A seguir a esse momento de felicidade, porém, houve quem regressasse à Terra e à repetitiva gravidade para não mais a largar.

Repetição e gravidade são conceitos que Patrick Braden (soberbamente interpretado por Cillian Murphy) não conhece. Bem pelo contrário, passa boa parte dos minutos do outro lado, onde talvez faça mais frio, mas num esconderijo onde pode sorrir sem lhe perguntarem porquê. Não conseguiu muitas inscrições nos capítulos dos manuais escolares mas deu um passo de gigante ao encontro daquela idade que outrora se chamou humana.

Breakfast On Pluto, a mais recente produção de Neil Jordan, conta-nos uma estória que bem poderia começar com um ‘Era uma vez’. Patrick Braden, ou melhor, Patricia 'Kitten', segundo demanda pessoal, foi abandonado em bebé à porta da habitação de um padre na conflituosa Irlanda dos anos 70 e cresceu ligando-se, apenas a espaços, ao mundo dos terços, das balas e demais castelos de areia.

Dois tordos em amena cavaqueira prenunciam sarilhos. Não se enganam. 'Kitten' descobre-se num corpo parco em atributos femininos e decide juntar-lhe alguma cor. Fê-lo em boa hora. Uma sombra daqui, um baton dali... et voilá, tudo melhora e ganha sentido. Liguem-se as luzes, os motores das caravanas e afinem-se as cordas vocais. Anda carrossel, que se faz tarde! É tempo de partir para Plutão, quero lá chegar à hora do pequeno almoço. O mundo de ‘Kitten’ é delicioso, espacial, honesto e grande, muito grande.

Ainda lhe pesavam os sapatos de salto alto, que o calçavam à socapa, e já defendia com unhas e dentes, diante de várias frentes frias e Adamastores, uma identidade. Voz de vidro, olhos de ceú, coração de gente. Se às vezes parecer perdido não se importem porque logo subirá para o colo de uma mota que compreende o seu sorriso e far-se-á à estrada. ‘Kitten’ perde algumas batalhas pelo caminho, sobretudo por causa da extrema necessidade de afecto.

As esquinas escondem escadas para sítios desconhecidos e sucedem-se em velocidade de espectáculo, ao ritmo alucinado dos capítulos de um diário leviano que se lê sem pestanejar. Em cada uma, ‘Kitten’ recebe o testemunho do ‘estafeta’ anterior e não pergunta se pode subir... a ‘escada’. Sobe e pronto. Não importa onde vai chegar, importa chegar a algum lado. Cansada dos puxões de orelhas, parte em busca da figura da mãe, que tinha sido 'engolida' por Londres, onde tudo se oferece e se retira com o mesmo estalar de dedos.

Adaptado do romance de Pat McCabe, Breakfast On Pluto apresenta uma banda sonora com alguns apontamentos interessantes mas ganha sobretudo pela fantástica interpretação de Cillian Murphy, a lembrar o frágil pino que fica de pé depois do ataque feroz da bola de bowling. Uma das personagens mais ricas em termos de vivência emocional que nos últimos tempos encheram as objectivas.

A película é um desfile de ilusionistas, discotecas, lutas armadas, prostituição e viagens só de ida pelos (en)cantos do Universo do coração. 'Kitten' compra todos os bilhetes e faz todas as viagens. Viaja ao sabor do vento, como uma pena, caindo quando e onde as rajadas permitem. Aqui, além, acolá, tanto faz. Quem precisa de relógio quando não vive no tempo?”

Pedro José Barros, 2006 - www.rascunho.iol.pt/critica.php?id=901

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Mede Vinagre

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Próxima sessão, dia 25 Setembro 09: O Selvagem, de Lázló Benedeck

pintar.sete@gmail.com

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Cinemascópio: Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando – Hoje, 6ªf, 11 de Setembro: O Veredicto, de Sidney Lumet

2009-09-11T14:06:00.001+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 11 Setembro.2009 - 21H45

no
Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Veredicto
The Verdict

Realizador: Sidney Lumet
Com: Paul Newman, James Mason, Jack Warden, Milo O'Shea, Charlotte Rampling

Duração: 124 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: EUA
Ano: 1982

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: Mede Vinagre

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Próxima sessão, dia 18 Setembro 09: Breakfast on Pluto, de Neil Jordan

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Cinemascópio: Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando - Próxima 6ªf, 11 de Setembro: O Veredicto, de Sidney Lumet

2009-09-09T02:23:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 11 Setembro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Veredicto
The Verdict

Realizador: Sidney Lumet
Com: Paul Newman, James Mason, Jack Warden, Milo O'Shea, Charlotte Rampling

Duração: 124 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: EUA
Ano: 1982

SINOPSE
“O Veredicto” é um drama de tribunal escrito por David Mamet (“Manobras na Casa Branca”) e realizado por Sidney Lumet (“12 Homens em Fúria”) que apresenta o galã Paul Newman no papel de Frank Galvin, um advogado alcoólico e decadente. O seu antigo sócio Mickey Morrissey (Jack Warden) relembra-o das suas obrigações para com o caso que ele próprio lhe entregou “de bandeja” sobre uma situação de negligência médica. Todas as partes estão prontas para chegar a acordo, mas Galvin vê ali a sua hipótese de recuperar a sua auto-estima e decide avançar contra um poderoso grupo, defendido pelo astuto advogado Edward J. Concannon (James Mason). O filme teve cinco nomeações para os Óscares (melhor filme, realizador, actor, actor secundário e argumento adaptado) e muitos esperavam que a Academia entregasse a Newman a estatueta dourada. Contudo foi Ben Kingsley, pelo seu papel em “Gandhi”, de Richard Attenborough, a levar o prémio para casa. Newman teve de esperar por 1987 para ser distinguido pelo seu trabalho em “A Cor do Dinheiro”, de Martin Scorsese.

http://cinecartaz.publico.pt/filme.asp?id=78125

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Cinemascópio: Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando – Hoje, 6ªf: Caminho Solitário, de Zhang Yimou

2009-09-04T00:16:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 04 Setembro.2009 - 21H45
no
Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Caminho Solitário
Qian li zou dan qi

Realizador: Zhang Yimou
Com: Ken Takakura, Shinobu Terajima, Kiichi Nakai, Jiamin Li, Lin Qiu, Jiang Wen, Ken Nakamoto, Li Bin Li, Ziliang Chen, Zhezhou He

Duração: 107 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: China, Hong-Kong, Japão
Ano: 2005

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Cinemascópio: Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando - Próxima 6ªf, 4 de Setembro: Caminho Solitário, de Zhang Yimou

2009-09-01T18:21:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Faz-se Caminho, Caminhando

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 04 Setembro.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Caminho Solitário
Qian li zou dan qi

Realizador: Zhang Yimou
Com: Ken Takakura, Shinobu Terajima, Kiichi Nakai, Jiamin Li, Lin Qiu, Jiang Wen, Ken Nakamoto, Li Bin Li, Ziliang Chen, Zhezhou He

Duração: 107 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: China, Hong-Kong, Japão
Ano: 2005

SINOPSE

Pela primeira vez em muitos anos, Takata Gou-ichi sai da pacata vila de pescadores em que vive e parte no comboio em direcção a Tóquio. A sua nora, Rie, telefonara-lhe a avisar que o seu filho, Ken-ichi, estava seriamente adoentado e a chamar pelo pai no seu leito de morte. No entanto, quando Takata chega à metrópole ele descobre que as palavras de Rie não eram exactamente verdadeiras. Ken-ichi está de facto acamado no hospital, mas recusa-se a ver o pai, com quem havia brigado muitos anos antes. Devastado, Takata recebe de Rie uma fita contendo imagens de um vídeo realizado por Ken-ichi, cujas imagens o conduzem a uma intensa jornada de autodescoberta.

www.cineteka.com

“Riding Alone For Thousands of Miles”, é uma popular estória chinesa que narra a épica aventura do general Guan Yu, que percorreu um longo caminho para se reunir com o amigo a quem tratava como irmão, o senhor da guerra Liu Bei. O conto está retratado na obra literária do século XIV, “Romance of the Three Kingdons”, de Luo Guanzhong. O título tenta traçar um certo paralelo entre a lenda e a tentativa de “Takata” em completar os desígnios do seu filho, aumentando desta forma as suas hipóteses de reconciliação com aquele.
Pessoalmente entendo que as longas-metragens que lidam com conflitos familiares, têm uma potencialidade intrínseca para tocar os nossos corações. Quando se trata de um pai e de um filho, a comoção torna-se maior, não sei porquê. Talvez por achar que tenho uma excelente relação com os meus pais, com os naturais altos e baixos, e não conseguir imaginar viver uma situação como a de “Takata” e do seu filho “Kenichi”. Sou capaz de superar, como já o fiz, um desaguisado amoroso. Mas quando entro em conflito com quem me deu vida, mesmo tendo razão, não presto para mais nada e passo o tempo todo a pensar nisso. Foi por essa mesma razão que quando li pela primeira vez a sinopse de “O Caminho Solitário”, fiquei com a nítida sensação que a película não me iria ser indiferente. Tendo então Zhang Yimou como realizador, este pensamento era quase uma certeza. Não me enganei.
A “performance” dos actores é de um elevadíssimo nível, ainda para mais quando temos várias personagens que não são representadas por profissionais, mas por aldeões da zona de Lijiang. Como é natural, quem brilha mais é Ken Takakura, o protagonista da estória. Em vez de proferir a minha opinião, porque não expor o pensamento de alguém com verdadeira autoridade no assunto:
“Ken Takakura é o meu ídolo. Ele é o ídolo de uma geração inteira de chineses. Mesmo hoje ele permanece como o meu ídolo, tanto no ecrã, como na vida real. Eu adoro a sua personalidade. Uma vez eu disse que uma boa performance com lágrimas era um requisito básico para os actores. Contudo, Ken Takakura nunca chora nos filmes que protagoniza. Mais tarde apercebi-me que as suas actuações demonstravam um diferente tipo de choro, o do coração. O sofrimento é uma espécie de choro, mas o choro invisível do coração é mais apelativo e tocante. Eu gosto da sua performance discreta e reservada. É necessário emoções e sentimentos fortes para representar desta forma, mas ao mesmo tempo é preciso controlar essas mesmas emoções e sentimentos. Até agora, nunca encontrei ninguém na China que fosse capaz de fazer isto.”
Dito pelo próprio Zhang Yimou. A opinião emitida acerca do lendário actor japonês foi brilhantemente declamada numa entrevista ao “China Daily”, na estreia mundial de “O Caminho Solitário” em Lijiang, cidade que fica próxima da aldeia onde decorre grande parte do filme.
“O Caminho Solitário” prima pelo realismo incutido nas premissas por onde navega. Podemos sentir perfeitamente o silencioso sofrimento de um pai que só se apercebe realmente do quanto o filho significa para ele, quando se apercebe que vai perde-lo para sempre. Ken Takakura é o actor ideal para transmitir o tal “choro invisível, apelativo e tocante”, tão elevado por Yimou. A sua aparência dura e fria dá mais significado às fragilidades evidenciadas quando as coisas não lhe correm tão bem na busca pela actuação do cantor “Li Jiamin”. Percebe-se perfeitamente o porquê de muitos afirmarem que o papel de “Takata” foi escrito com o pensamento em Ken Takakura. O toque final é dado pelas interpretações dos já mencionados nativos chineses, fazendo com que sintamos que não estão a representar. Verdadeiramente estão a ser eles próprios, ou seja, autênticos.
A ideia de redenção está presente, quando no meio dos altos e baixos da demanda de “Takata”, surge o relacionamento com o pequeno “Yang Yang”, o filho do cantor “Li Jiamin”, que este nunca conheceu. “Takata” contribui, na sua singela maneira, para uma aproximação de ambos. No fundo funciona como um elo, não completamente desinteressado, que tenta evitar um afastamento semelhante ao que assombra a sua vida. A apresentação das fotografias de “Yang Yang” ao pai, é um momento de superior comoção e de grande cinema.
Um dos aspectos mais fascinantes do filme passa pelo confronto cultural, no bom sentido. “Takata” é um japonês que se encontra imerso numa China rural, onde não entende a língua dos habitantes, possuindo um pseudo-traductor que não ajuda muito neste particular. Provém de um país democrático, com uma vertente bastante ocidental, que se confronta com os aspectos particulares de uma república “musculada”, entre os quais a burocracia e o controle. Apesar das naturais dificuldades, a interpenetração cultural funciona muito bem, e a amizade e respeito nasce entre os representantes de ambos os povos, unidos por problemas que superiorizam qualquer língua ou postura social.
“O Caminho Solitário” é ideal para quem prefere a faceta de Yimou relacionada com os dramas existencialistas, na linha de outros filmes do realizador tais como “Nenhum a Menos” ou “O Caminho Para Casa” (para falar dos mais recentes). Para aqueles que preferem a fase de Yimou relacionada com a sua trilogia de “Wuxia” (“Herói”, “O Segredo dos Punhais Voadores” e “A Maldição da Flor Dourada”), o filme que presentemente se analisa não dirá assim tanto. Para mim e para outros leitores deste blogue, que apreciamos ambas as vertentes do realizador, “O Caminho Solitário” constituirá mais um argumento para elegermos Yimou como um dos melhores realizadores de sempre.
Sob o signo da ternura e amor parental, Zhang Yimou presenteia-nos com mais um tratado verdadeiramente humanista em toda a acepção da palavra. Pelo exposto, apenas só tenho de recomendar vivamente “O Caminho Solitário”. Principalmente a pais e filhos que têm uma tendência para a incompreensão mútua…”

http://shinobi-myasianmovies.blogspot.com

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Próxima sessão, dia 11 Setembro 09: O Veredicto, de Sidney Lumet

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Cinemascópio: Novo Ciclo Temático já na próxima 6ª feira – Faz-se Caminho, Caminhando –no Mede Vinagre

2009-08-31T21:08:00.002+01:00

Caros Amigos,

Na próxima 6ª feira, dia 4 de Setembro, o Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos inicia um novo Ciclo, Faz-se Caminho, Caminhando.

Será então esta a programação para o mês de Setembro de 2009:

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Faz-se Caminho, Caminhando

Setembro 2009

ENTRADA LIVRE

1º- O Caminho Solitário, de Zhang Yimou (04/09)

2º - O Veredicto, de Sidney Lumet (11/09)

3º -Breakfast on Pluto, de Neil Jordan (18/09)

4º - O Selvagem, de Lázló Benedeck (25/09)

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

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Sessões Cinemascópio a partir de Setembro sempre no Mede Vinagre! :)

2009-08-31T20:30:00.005+01:00

Caros Amigos,

As sessões de cinema Cinemascópio, às 6ªs feiras serão feitas a partir de Setembro, definitivamente no Mede Vinagre! :)

A estes nossos amigos temos a agradecer todo o carinho, disponibilidade e boa vontade com que acolheram esta iniciativa!

Filomena, Valter, Mariana, obrigado!!!

Na próxima 6ªf lá estaremos todos no Mede Vinagre, na Rua de Morgado de Mateus, nº51!

Um abraço "pintarossetiano",

Pintar o 7

NOTA: Esta foto foi tirada pelo Valter Castelão, na sessão Cinemascópio de 24 de Agosto, no Mede Vinagre.

Cinemascópio ao Ar Livre pela Pintar o 7 no Mede Vinagre

2009-08-27T01:48:00.005+01:00

Sexta-feira passada, a sessão de cinema Cinemascópio, organizada pela Pintar o 7 no espaço dos amigos do Mede Vinagre foi assim!

Cinemascópio ao Ar Livre, todas as 6ªs feiras de Verão, pela Pintar o 7, no Mede Vinagre! :)

pintar.sete@gmail.com

Para verem mais imagens desta sessão, visitem o blogue do Mede Vinagre:

http://www.casamorgado.blogspot.com/

Cinemascópio: Ciclo Cinema em Tempo de Verão - Próxima 6ªf, 28 de Agosto: Longe do Paraíso, de Todd Haynes

2009-08-27T00:56:00.004+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Cinema em Tempo de Verão

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 28 Agosto.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

NOTA: Ao contrário do que foi anunciado, o filme previamente anunciado para esta semana (O Véu Pintado, de John Curran)encontra-se indisponível, pelo que nos vimos forçados a substitui-lo pelo anunciado esta semana. Pelo facto, as nossas desculpas.

Longe do Paraíso
Far from Heaven

Realizador: Todd Haynes
Com: Dennis Haysbert, Dennis Quaid, Julianne Moore

Duração: 107 minutos

Idade: M/12
Género: Drama
País de Origem: E.U.A
Ano: 2002

Longe do Paraíso
Sincrónico e anacrónico

Não é seguro que não se possa entrar em "Longe do Paraíso" como em território virgem, mesmo conhecendo os melodramas de Douglas Sirk.
É verdade que, no princípio, desconfiamos: já vimos aquele "travelling" inicial, já vimos aquele jardineiro, um e outro em "All That Heaven Allows", conhecemos os códigos e as cores, antecipamos a explosão do melodrama contra as imposições sociais. E, no entanto: não é réplica, nem "remake", não o vemos com a mesma distância que nos separa dos filmes de Sirk (por mais avassaladores que sejam). É um filme em dois tempos, simultaneamente sincrónico e anacrónico: estamos na América dos anos 50, mas o jardineiro já não é apenas jardineiro, é negro, e o marido não é adúltero, é homossexual. Ou seja, é um filme de hoje, como se fosse feito nos anos 50 (e não o contrário) e a forma - a estilização - é o que lhe confere a singularidade. Se os exercícios de revisionismo do cinema clássico se têm pautado pela impossibilidade de voltar a ele, "Longe do Paraíso" faz o contrário. E, provavelmente, transposto para a América de hoje, os resultados seriam menos fulgurantes
Por: Kathleen Gomes (PÚBLICO)

Perto dos 50’s

Todd Haynes tem uma longa história de experimentação em torno de referentes mais ou menos conhecidos. Em 1987, "Superstar: The Karen Carpenter Story" recriava com bonecas Barbie a irónica "paixão" e morte de uma estrela pop. "Poison" (1991), olhar tenebroso sobre os fantasmas de uma geração, aproveitava uma ligação com o imaginário de Genet para conferir a uma de três histórias um reconhecimento das matrizes para a ficção. "Safe" (1995) socorria-se de um "look" pretensamente antiséptico de alguma Ficção Científica para a cruzar com uma dimensão decorativa e organizadora de espaços do melodrama dos anos 50: Douglas Sirk espreitava já nas sequências iniciais do apartamento de Julianne Moore. "Velvet Goldmine" (1998) pegava no "glam rock" e tecia uma fantasia complexa que recuava ao dandismo de Oscar Wilde, para se concentrar no universo colorido e complexo dos anos 70.

remake, paródia e pastiche. E, no entanto, "Longe do Paraíso" coloca questões formais de diferente índole: funciona num registo misto entre o "remake", a paródia (no sentido sério do termo) e o "pastiche". Inscreve-se, em simultâneo, numa estratégia de homenagem a um só filme, "O Que o Céu Permite" (1954), e, por extensão, o melodrama de Sirk, numa abstracção do mundo representativo dos Fifties, e numa dimensão de cópia denunciada, que o torna sobretudo num olhar sobre o presente.

Enquanto "remake", Haynes conta a mesma "história" de Sirk: uma mulher da alta burguesia de uma pequena cidade da Nova Inglaterra sente uma forte atracção pelo jardineiro, homem mais novo e de classe inferior. Mas, enquanto no original Jane Wyman é viúva, com filhos adolescentes e universitários, e o objecto da paixão é o espadaúdo símbolo sexual dos 50’s, Rock Hudson, este falso "remake" opera uma alteração de monta: Moore é casada e o marido é homossexual, os filhos são pequenos e parecem recuperados de outras ficções "infantis" de Sirk (as comédias românticas e subversivas, de que "Weekend with Father", de 1951, é o referente mais evidente), e o jardineiro, se mantém a envergadura de Hudson, acrescenta-lhe uma característica fundamental: um negro num mundo de brancos, também com uma filha de anterior casamento, a propiciar conflitos raciais subterrâneos.

Enquanto paródia, Haynes compraz-se em piscadelas de olho ao espectador prevenido: a entrada na cidade faz-se por um plano de grua semelhante ao de "O Que o Céu Permite", até o nome da personagem responsável pela bisbilhotice, Mona, transita de um filme para o outro, como marca subtil (e "inútil") de uma dependência em filigrana. O empenhamento melodramático e sobretudo a belíssima sequência final, com a despedida toda em gestos subliminares do que não pode ser dito, revelam o sentido da intervenção no passado. Presentifica-se os 50’s como se um dos objectivos passasse por uma revisão de mentalidades, uma noção do que faltava dizer: em Sirk intervinha-se sobre problemas de classe e de diferença de idade entre os amantes (mulher mais velha e homem mais novo, motivo melodramático por excelência); Haynes acrescenta-lhe as questões sexuais e rácicas, depois de Stonewall e dos movimentos emancipatórios da minoria "gay" – para já não falar das revelações posteriores sobre a (homo) sexualidade de Rock Hudson -, sobretudo depois de toda a evolução dos Civil Rights, no que concerne aos direitos dos Negros, ou melhor, para corresponder à transformação de conceitos, dos afro-americanos.

E chegamos à questão do "pastiche", noção profundamente ligada ao distanciamento que os pós-modernismos detectam na criação artística e cultural: mais do que um olhar directo sobre uma época e um tipo de cinema, "Longe do Paraíso" opta por uma obliquidade interveniente, tornando as cores puras e sem sombras numa forma de estabelecer pontes com o nosso tempo, embora possam ser lidas como mimética aproximação aos tons outonais e às neves fictícias do original.

a crónica de um tempo. Se pensarmos o objecto fílmico dentro desta perspectiva de reflexo e refracção de uma época, outra questão se perfila: que filme vemos, quando vemos "Longe do Paraíso"? Que espectadores somos? Tudo depende, queiramos ou não, do nosso conhecimento dos materiais referenciais. Não estamos a dizer que o espectador médio necessite de Sirk e de uma integração histórica para ler um objecto autónomo. O que defendemos é que co-existem dois graus diversificados de análise: a que isole, de forma sincrónica, um filme, e a que convoque uma forte coordenada diacrónica, lendo Haynes no contexto de uma progressão histórica das ideias e das formas. Quem veja "Longe do Paraíso" de forma isolada pode incorrer no empobrecimento do mundo conceptual que se constrói.

E aqui entram muitos elementos obrigatórios, que, de todo, se não circunscrevem a uma matriz simples: "Longe do Paraíso" é "sobre" a década de 50, sobre as suas contradições fundadoras, sobre o seu decorativismo gritante, sobre os seus mitos, tantas vezes perpetuados na modernidade que temos.

Se não vejamos: a personagem torturada do marido homossexual, composta com rigor absoluto por Dennis Quaid, deve muito a uma abstracção viual de duas das grandes estrelas dos 50’s, Marlon Brando e sobretudo o Montgomery Clift de depois do desastre, com tiques minimais e uma forma, herdada o Actor’s Studio, de criar uma figura a partir de uma reinvenção do conflito interior.

A sequência em que Moore vai resgatar o marido à esquadra não pode deixar de evocar a cena inicial de "Fúria de Viver" de Nicholas Ray, enquanto os planos "inclinados", de uma imagem obliquada e confusa invocam o estilo rebuscado de Elia em "A Leste do Paraíso". Ambos os filmes haviam servido de veículo para o mais mítico dos "rebeldes sem dos Fifties, James Dean, e Kazan fora encenador e realizador da adaptação cinematográfica de "O Eléctrico Chamado Desejo".

Ora a peça de Tennessee Williams (no anos 40) constituía a abertura para a ponta do iceberg, representando pela primeira vez de forma moderna a homossexualidade como motivo dramático. A referência era discreta e aparecia numa fala de Blanche Dubois, a "southern belle", que um dia abrira uma porta fechada e encontrara o marido nos braços de outro homem. E a cena de "Longe do Paraíso", em que Julianne Moore leva o jantar ao marido, assim descobrindo o seu segredo, funciona como "ilustração" dessa presença que nos anos 50 apenas timidamente se nomeava.

Mais importante ainda: Haynes vê os Fifties de forma retrospectiva, como a década da recuperação económica, do "baby boom", da proliferação gráfica da publicidade, das revistas de decoração e de moda, de um quotidiano estilizado, reproduzido em móveis e cores, cozinhas modernas e a chegada da alta-costura aos adereços e vestidos da protagonista. Daí a insistência no desfile de moda de Julianne Moore, herdeira de Jane Wyman, mas também de uma abstracção da influência de Dior, e outros, no "look" das saias rodadas e coloridas, nos estampados e nas "écharpes". Esta estranheza faz do "paraíso" que o filme constrói e desconstrói um filme em si.

Há uma intervenção política clara, na medida em que se intervém sobre o centro do conformismo americano, na grande década que forja o conservadorismo da era Eisenhower/ Nixon, depois prolongado no consulado Reagan/Bush e, no presente, no reaccionarismo patético do Bush, filho. Assim, a modernidade do olhar de Haynes passa pela capacidade de instrumentalizar a década da segurança, depois do pós-guerra, mas também da intervenção na Coreia, do MacCarthysmo e do terror atómico, nos primórdios da Guerra Fria. Há a segurança da casa moderna, com o conforto electrodoméstico, mas também os abrigos atómicos nos jardins (que o filme não mostra mas intui), o início da conquista do espaço, a queda exposta de um modo de viver artificial e baseado em convenções de fingimentos vários.

Se se está "longe dos paraísos" artificiais que o discurso dominante sobre os anos 50 veicula, está-se muito perto da possibilidade que a modernidade reclama de encenar "imitações de vida", arte e artifício. É do princípio do século XXI que Haynes se ocupa: Sirk e os anos 50 não passam de metáforas possíveis e detectoras de um deslumbramento compungido.

Por: Mário Jorge Torres (PÚBLICO)

http://cinecartaz.publico.pt/criticas.asp?id=77967&Crid=4&c=1991

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Próxima semana, 6ªf, dia 4 de Setembro de 2009: A Vida é um Jogo, de Robert Rossen

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Cinemascópio: Ciclo Cinema em Tempo de Verão - Próxima 6ªf, 21 de Agosto: Água, de Deepa Mehta

2009-08-18T14:12:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Cinema em Tempo de Verão

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 21 Agosto.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

ÁGUA
Water

Realizadora: Deepa Mehta
Com: Lisa Ray, Seema Biswas, Kulbhushan Kharbanda, Sarala, John Abraham, Manorama, Raghubir Yadav, Vidula Javalgekar

Duração: 117 minutos

Idade: M/12
Género: Drama, Aventura
País de Origem: Canadá / Índia
Ano: 2005

SINOPSE

Aos 8 anos de idade, na Índia dos anos 30, Chuyia não é apenas casada; é já viúva. E nunca conheceu o marido. De acordo com a tradição, Chuyia é enviada para uma casa que acolhe viúvas – uma casa onde as viúvas são obrigadas a ficar, isoladas da sociedade, até ao final das suas vidas, sem que possam alguma vez voltar a casar. Lá, conhece Kalyani, uma bela e jovem viúva de quem se torna amiga que ousa desafiar as regras apaixonando-se por um jovem com estudos. Também ele está disposto a confrontar-se com a tradição instituída. No momento em que as ideologias de Ghandi ganham cada vez mais peso e as pessoas se começam a questionar sobre a religião, sobre a sociedade, sobre os direitos das mulheres, estas duas jovens (assim como tantas outras mulheres) poderão ver os seus percursos de vida alterarem-se radicalmente.
www.7arte.net

"A situação social evocada é pungente: a condição das viúvas que, na Índia da década de 1930, são sujeitas a uma existência marginal, mesmo quando podem ser crianças (a personagem central tem 8 anos). Mas Deepah Mehta não constrói com tal situação um mero "panfleto" ruidoso, à maneira desses documentários (?) televisivos que parecem possuir toda a verdade deste mundo e do outro... Nada disso: este é um filme de grande delicadeza emocional, sustentado por uma construção dramática que possui a enorme vantagem de seguir um programa claro: expor a verdade humana para além das barreiras dos rituais sociais ou das normas religiosas.

«Água» é, afinal, um simples sintoma do (muito) cinema indiano que não conhecemos."
João Lopes, www.cinema2000.pt

"Água" de Deepa Mehta: Um Hino ao Amor, à Dignidade Humana e à Vida

Não foi com muito assombro que visionei a mais recente obra cinematográfica da realizadora indiana Deepa Mehta (nomeada para os Óscares 2007 na categoria de Melhor Filme Estrangeiro), dado que, desde sempre, os filmes indianos me deslumbraram pela sua magia imagética. Das minhas raízes muito mais inter do que multiculturais, fazem parte as cores, os sons e os sabores fortes da cultura iconográfica, musical, filosófica e gastronómica deste povo que comigo partilha o Oceano Índico como berço.
Todavia, este filme tangeu-me a alma pela sábia junção, no seu fabuloso argumento, desse exotismo, sempre presente nas minhas mais recônditas memórias, que me moldou as minhas percepção e expressão estéticas e filosóficas, a uma sensível abordagem de dois temas tabu. Com efeito, o leitmotiv desta película é o destino inexorável e dramático das viúvas hindus que, de acordo com a tradição, ou são queimadas vivas na pira em que arde o cadáver de seu marido, ou dever-se-ão isolar como párias (do Tamul pareyar, tangedor de bombo, os intocáveis, a casta mais baixa entre os hindus, alvo do desprezo das demais), estando-lhes reservado um inelutável ostracismo social até ao final das suas desafortunadas, trágicas, existências.
Esta película relata como a mendicidade e, tantas vezes, a prostituição das mais novinhas são a única forma de sustento de quem a sociedade rejeitou para todo o sempre; como uma dessas casas de abrigo acolhe Chuyia, uma criança que, com apenas 8 anos, já é viúva e Kalyani, uma bela jovem que, também, face ao mesmo estado, vê-se obrigada, desde tenra idade, a vender o corpo, em troca de umas míseras e malditas moedas, acabando por se libertar dessa tortura imposta ao apaixonar-se por um jovem culto e de casta elevada, admirador confesso dos ensinamentos de Gandhi, nomeadamente, da "resistência passiva" contra o regime colonial inglês. E é exactamente neste momento, em que a ideologia deste sábio homem começa a alastrar-se pela Índia, pondo em questão muitas das tradições religiosas e sociais cristalizadas, que estas duas jovens mártires poderão almejar a liberdade, ou não.
É, assim, um filme que relata, igualmente, um flagelo global - o da prostituição infantil, do abuso de menores por "predadores sexuais" que, aproveitando-se da miséria alheia, lhes amputam a infância, em prol das suas mais pérfidas e desumanas perversões.
Um filme a não perder, como acto de resistência cívica, ética, estética e filosófica !
Isabel Metello, http://sol.sapo.pt/blogs/isabelmetello/default.aspx

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Próxima sessão, dia 28 Agosto 09: O Véu Pintado, de John Curran

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Cinemascópio: Hoje, Sexta-Feira dia 14 de Agosto – O Labirinto do Fauno, de Guillermo Del Toro

2009-08-14T13:54:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Cinema em Tempo de Verão

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 14 Agosto.2009 - 21H45

Para ver imagens do filme desta semana, visite o nosso blogue:
www.pintarosete.blogspot.com (clique no endereço a azul)
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O Labirinto do Fauno
El Laberinto del Fauno

Realizador: Guillermo del Toro
Com: Ariadna Gil, Ivana Baquero, Sergi López

Duração: 112 minutos

Idade: M/16
Género: Drama, Fantasia, Thriller
País de Origem: Espanha
Ano: 2006

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Próxima sessão, dia 21 Agosto 09: Água, de Deepa Mehta

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Cinemascópio: Ciclo Cinema em Tempo de Verão - Próxima 6ªf, 14 de Agosto: O Labirinto de Fauno, de Guillermo Del Toro

2009-08-12T20:17:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Ciclo Cinema em Tempo de Verão

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 14 Agosto.2009 - 21H45

Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Labirinto do Fauno
El Laberinto del Fauno

Realizador: Guillermo del Toro
Com: Ariadna Gil, Ivana Baquero, Sergi López

Duração: 112 minutos

Idade: M/16
Género: Drama, Fantasia, Thriller
País de Origem: Espanha
Ano: 2006

SINOPSE

Espanha, 1944. A Guerra Civil já terminou há cinco anos, mas um grupo de rebeldes continua a lutar, invencível, nas montanhas de Navarra. O Capitão Vidal, um oficial fascista, tem ordens para eliminar os rebeldes nesse território remoto. Ofélia, uma rapariga sonhadora de dez anos, muda-se com a mãe, grávida e frágil, para Navarra, para finalmente conhecer o padrasto, o Capitão Vidal. Mas ele não faz qualquer esforço para se aproximar da enteada. Sozinha, Ofélia procura companhia e amizade em Mercedes, uma cozinheira que trabalha para as tropas do padrasto. Até que um dia, Ofélia, fascinada por contos de fadas, descobre um grandioso labirinto a desmoronar-se atrás da fábrica em que se instalara o padrasto. No centro do labirinto, conhece Pan, um velho brincalhão que diz conhecer a sua verdadeira identidade. Segundo ele, Ofélia é uma princesa, filha desaparecida do Rei das Fadas. E Pan oferece-lhe a oportunidade de voltar ao mundo secreto e governar o reino de seu pai. Mas primeiro, deverá executar três tarefas antes da Lua cheia... E ninguém pode saber, nem a mãe, nem Mercedes, e muito menos o Capitão Vidal, que planeia mandá-la embora. O tempo esgota-se para os rebeldes e para Ofélia. Todos têm de combater a crueldade para conseguirem a liberdade. "O Labirinto do Fauno" foi um dos filmes mais nomeados aos Óscares, totalizando seis nomeações: Melhor Filme Estrangeiro, Argumento Original, Banda Sonora, Direcção Artística e Melhor Fotografia.

PUBLICO.PT [http://cinecartaz.publico.clix.pt ]

"O Labirinto do Fauno
Conta-me histórias

Nada menos de seis nomeações para os Óscares, entre as quais o melhor filme estrangeiro e melhor argumento, depois de uma passagem pela selecção do Festival de Cannes de 2006 e de uma extraordinária recepção crítica nos EUA. Não é normal que um filme "de género", receba tantas provas de respeito por parte de uma classe crítica habitualmente alheia ao cinema fantástico.
Que não se entenda nisso um sinal de que as coisas estão à beira de mudar. Quando muito, veja-se o reconhecimento de uma geração de cineastas latinos que está a conquistar Hollywood (Guillermo del Toro é mexicano, como Alejandro González Iñarritú, de "Babel", ou Alfonso Cuarón, de "E a tua Mãe Também"), ou do talento específico de um realizador que se tem erguido a pulso como "autor" com um universo recorrente de filme para filme, independentemente de assinar uma encomenda hollywoodiana como "Blade II" (2002) ou "Hellboy" (2004) ou um filme mais pessoal como "Nas Costas do Diabo" (2001).
É, aliás, em "Nas Costas do Diabo" que se encontra a filiação directa de "O Labirinto do Fauno"; a referência à Guerra Civil Espanhola e a transfiguração da realidade através dos olhos de uma criança. O novo filme tem lugar em 1944, já depois de final da Guerra Civil, mas refere–se-lhe constantemente através de um odioso oficial franquista (excelente Sergi López) que instalou o seu quartel-general numa casa rural que encerra um portal para um universo subterrâneo de mitos e magia, cuja princesa desapareceu há séculos...e parece ressurgir agora sob os traços de Ofélia, a enteada do oficial. Uma menina sonhadora que relutantemente acompanhou a mãe grávida para longe da cidade e se sente perdida e assustada até encontrar o labirinto que dá título ao filme.
Relacionar o mundo real com o universo fantasioso onde Ofélia penetra é, evidentemente, um velho truque da ficção fantástica. Mas nem esta "Alice" vai sair incólume destas viagens, nem o mundo subterrâneo é um "país das maravilhas": o que interessa a Del Toro é que as portas entre um e outro não são estanques nem de sentido único. Este conto de fadas cruzado da fábula sobre a persistência do mal e o poder da inocência viaja entre o filme de guerra e o realismo mágico - reside nessa deliberada indefinição a sua mais-valia mas também a sua maior desvantagem, já que a "integração" dos dois universos é por vezes um pouco forçada (e resultava melhor em "Nas Costas do Diabo", mais atmosférico, mais conseguido e mais sugerido).
Mas confirma-se Del Toro como cineasta sensível e inteligente, mais interessado em ambientes do que em sustos gratuitos (e nesse aspecto o filme é extraordinário), com uma capacidade efabulatória invejável. Será um erro vir a "O Labirinto do Fauno" à procura da confirmação da vitalidade do cinema latino; é apenas uma prova de que o melhor cinema fantástico está muito longe de ser "parente pobre".
(Jorge Mourinha, http://cinecartaz.publico.clix.pt)

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Alexandre

2009-08-07T07:52:00.009+01:00

Conhecemos o Alexandre Bahia numa das nossas primeiras sessões Cinemascopio, em 2005.

Curioso e interessado (como o foi com tantas outras coisas), propos-se a ceder-nos um filme seu para exibirmos num dos nossos Ciclos. Disse-me ser ''o filme da minha vida''.

Assim foi: em Junho de 2005, Tuvalu foi incluido no Ciclo Doce Perspicacia dos Sentidos.

E ao longo do tempo que mantivemos as sessões regulares da nossa iniciativa, foi um divulgador entusiasta, pronto a ajudar no que pudesse.

Por isso, a Pintar o 7 sempre pensou no Alexandre como num amigo...

-Ha dois dias atras, os amigos ''pintarossetianos'' la estiveram, a despedirem-se de ti.

Eu não o pude, a distancia não o deixou.

Disseram-me que estiveste rodeado de amigos.

Não me surpreendeu, creio que cultivar e prezar a amizade foram sempre lemes na tua vida.

Estas imagens, em jeito de despedida, são para ti....

Eu, recordar-te-ei sempre como o rapaz de olhos grandes que conheci numa noite de cinema...

Ate sempre, Alexandre!

Ao Amigo Alexandre Bahía

2009-08-06T13:03:00.002+01:00

Amigo é o contrário de
Inimigo!
Amigo é um sorriso.
Alexandre O´Neill

Amigo da Pintar o 7 , de longa data, e Amigo de alguns de nós, deixou-nos o Alexandre Bahía.

O seu sorriso, o seu amor à vida, a coragem e a força com que encarou "as partidas que a vida nos prega", ficarão connosco.

Especialmente para o Alexandre,

Cinemascopio: Amanha, Sexta-Feira dia 7 de Agosto - Algures em Africa, de Caroline Link

2009-08-05T15:05:00.004+01:00

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 07 Agosto.2009 - 21H45
no
Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Algures em África
Nowhere in Africa

Realizador: Caroline Link

Com: Juliane Köhler, Lea Kurka, Matthias Habich, Merab Ninidze, Sidede Onyulo, Matthias Habich, Lea Kurka, Karoline Eckertz, Gerd Heinz, Hildegard Schmahl, Maritta Horwarth, Regine Zimmermann

Duração: 141 minutos, COR

Classificação: M/12
Género: Drama
País de Origem: Alemanha
Ano: 2001

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Próxima sessão, dia 14 Março 09: O Labirinto do Fauno, de Guillermo Del Toro

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Cinemascópio: Ciclo Cinema em Tempo de Verao - Próxima 6ªf, 7 de Agosto: Algures em África, de Caroline Link

2009-08-05T14:37:00.003+01:00

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos
Ciclo Cinema em Tempo de Verao

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 07 Agosto.2009 - 21H45
no
Mede Vinagre (antiga Casa Morgado)
Rua de Morgado de Mateus, nº51

4000-334 Porto
(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Algures em África
Nowhere in Africa

Realizador: Caroline Link

Com: Juliane Köhler, Lea Kurka, Matthias Habich, Merab Ninidze, Sidede Onyulo, Matthias Habich, Lea Kurka, Karoline Eckertz, Gerd Heinz, Hildegard Schmahl, Maritta Horwarth, Regine Zimmermann

Duração: 141 minutos, COR

Classificação: M/12
Género: Drama
País de Origem: Alemanha
Ano: 2001

SINOPSE

«Algures em África», conta a extraordinária e verídica história de uma família judia que foge do regime nazi em 1938 para uma quinta no interior do Quénia. Abandonando a sua confortável vivência na Alemanha, Walter, a sua mulher Jettel e a filha Regina de 5 anos, têm de superar a dura realidade das suas novas vidas. Enquanto a guerra continua do outro lado do mundo, a relação dos 3 com o estranho ambiente onde vivem começa a complicar-se e os fantasmas da vida que deixaram para trás começam a assombrá-los.

http://cinema.sapo.pt/filme/nowhere-in-africa

“Algures em África”, filme de Caroline Link, galardoado com o Óscar para Melhor Filme Estrangeiro em 2003, é um filme em que a 2ª Guerra Mundial surge como pano de fundo para a história de uma família de judeus que foge para o Quénia à procura da sobrevivência. Essa sobrevivência é conseguida à custa de uma ruptura relativamente ao país de origem, à família e a um certo estar burguês que era então o estar da classe média alta dos judeus que residiam na Alemanha. Resumos à parte, interessa reter que este é um filme que incide os pressupostos sobre as relações humanas, sobretudo as que se desenvolvem entre o casal, Walter e Jettel, cuja identidade é estilhaçada pela viagem, pelo medo, pelo confronto entre o amor instituído e a derradeira revelação e pela comoção sísmica de que a personalidade de cada um dos membros do casal é vítima durante o processo. Além disso, o filme da também realizadora de “Beyond Silence”, de 1998, desenvolve-se ainda em torno da história de uma criança, Regina, filha de Walter e Jettel, que abraça genialmente, desde o início, a sua nova realidade, com ela desenvolvendo uma bonita e enternecedora relação de amizade, cumplicidade e deslumbramento perante a diferença. No entanto, não é por acaso que a menção ao continente africano é feita no título do filme. De facto, é África, e mais precisamente o Quénia, que acaba por constituir a matéria, o suporte da narrativa. Neste filme, o cenário não é apenas o objecto da contextualização, uma vez que a densidade desse cenário é tal que acaba transbordar e inundar a identidade de cada uma das personagens que assim passam a ser apenas o paradoxo que coabita num mundo de estranhos contrastes, numa realidade que apenas é nova para os “estrangeiros” que acabam de chegar. Os ritos, os costumes, o trabalho, a miséria, a aridez e a eterna subalternização do negro são os mesmos de sempre. Mas são sobretudo os olhares, anónimos e complexos, os sorrisos por coisa nenhuma, contemplados, não por acaso, na personagem de Owor, o cozinheiro da família, o amigo secreto de Regina, que neste caso, protagonizam a identidade trágica do eterno continente mal-amado.

“Algures em África” é assim um título feliz porque resume verdadeiramente o conteúdo do filme na medida em que o tema é África e o protagonista esse espaço indefinido habitado pela solidão e pelo acaso que proporciona o encontro pacífico entre dois povos diferentes.

sandra g.d, http://claya.blogspot.com/

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Cinemascópio: Novo Ciclo Temático já na próxima 6ª feira – Cinema Em Tempo de Verao – em Agosto no Mede Vinagre

2009-08-05T14:14:00.003+01:00

Caros Amigos,

Na próxima 6ª feira, dia 7 de Agosto, o Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos inicia um novo Ciclo, Cinema em Tempo de Verao.

Durante o mes de Agosto, o Cinemascopio funcionara em novo local, o

Mede Vinagre

Rua Morgado de Mateus, n.51

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Será então esta a programação para o mês de Agosto de 2009:

Cinemascópio - Ciclos de Cinema Temáticos

Cinema em Tempo de Verão

Agosto 2009

ENTRADA LIVRE

1º- Algures em África, de Caroline Link (07/08)

2º - O Labirinto do Fauno, de Guillermo Del Toro (14/08)

3º - Água, de Deepa Mehta (21/08)

4º - O Véu Pintado, de John Curran (28/08)

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Cinemascópio: Ciclo Reposições ao Ar-Livre- Próxima 6ªf, 24 Julho: Mon Oncle, de Jacques Tati

2009-07-22T03:16:00.003+01:00

Ciclo Reposições ao Ar-Livre

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 24 Julho.2009 - 21H45

A Cadeira de Van Gogh - Associação Cultural
Rua de Morgado de Mateus, nº41
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

O Meu Tio
Mon Oncle

Realizador: Jacques Tati
Com: Jean Pierre Zola, Adrienne Servatie, Jacques Tati, Jean-Pierre Arpel, Alain Becourt, Lucien Fregis, Dominique Marie

Duração: 111 minutos, Cor
Classificação: M/6
Género: Comédia
País de Origem: França
Ano: 1958

SINOPSE

O senhor e a senhora Arpel têm uma casa moderna num quarteirão asséptico. Eles têm tudo, conseguiram tudo, na casa deles é tudo novo: o jardim é novo, a casa é nova, os livros são novos. Neste universo tão confortável, tão "clean", tão "hich-tech", tão bem programado, o humor, os jogos e a sorte não têm lugar. E o filho Gérard aborrece-se de morte. É então que irrompe na sua vida o irmão da senhora Arpel, o tio, o Sr. Hulot (Jacques Tati). Personagem inadaptada, habituada ao seu mundo caloroso, vai, para delírio do sobrinho, virar tudo de pernas para o ar.

http://cinecartaz.publico.clix.pt/filme.asp?id=18921

“O Meu Tio
O sr. Hulot chega à cidade

Quatro anos depois da reposição de "Playtime", eis Jacques Tati de novo nas salas: "O Meu Tio", de 1958. Como noutras ocasiões é imprescindível louvar a reposição, tanto mais que, apesar de alguns sinais positivos nos últimos anos, em Portugal ainda não se recuperou um ritmo regular para as reposições de títulos antigos - e isto anda tão fraquinho que bem podia haver uma por semana.
"O Meu Tio", sem chegar ao extremo de "Playtime" (que, recorde-se, constituiu um tal "flop" que Tati passou o resto da vida a pagar dívidas), também se trata de um filme muito mais apreciado "a posteriori" do que pelos seus contemporâneos. Menos porque os seus contemporâneos fossem cegos ou idiotas do que pelo dimensão "em construção" da obra do cineasta francês, sobretudo até "Playtime". De "Há Festa na Aldeia", ainda nos anos 40, a "Playtime", em 1967, há uma progressão lógica, constante (e ao mesmo tempo surpreendente), que só fica iluminada quando se chega ao fim do ciclo. O futuro aclara o passado, como é costume no cinema, e "Playtime" é o "farol" cuja luz atribui à obra de Tati, aos filmes anteriores como aos (poucos) filmes posteriores, o seu derradeiro e mais unificador sentido. O que é particularmente verdade no caso de "O Meu Tio", sobretudo por nele se começarem a vislumbrar os primeiros sinais do que Tati tentaria em "Playtime". Há alguma tendência, por isso, para considerar "O Meu Tio" como um "filmeetapa", um borrão, um balão de ensaio, onde se deve valorizar acima de tudo o que já aponta para o filme de 1967. Que "O Meu Tio" é um "filme-etapa", certamente, mas no sentido em que são todos os filmes de Tati vistos no contexto da obra. E, dada a posição "axial" que ocupa nesse contexto, "O Meu Tio" até é um filme onde o passado, a obra precedente, conta tanto como o futuro e a obra posterior. É o filme da entrada na cidade, para o pôr assim simplesmente. "Há Festa na Aldeia" e "As Férias do Senhor Hulot" eram filmes de campo, e se a cidade já aparecia no segundo através dos veraneantes citadinos ainda se relevava apenas pela sua matéria humana e social, como conjunto de hábitos, tiques e idiossincrasias das classes médias urbanas. "O Meu Tio" introduz a cidade como cenário, não na forma "total" a que Tati chegaria em "Playtime" mas, um passo de cada vez, através do reduto doméstico - a casa da família Arpel, cujos mobiliário e "gadgets" correspondem a uma primeira instância da impressão de uma ordem (que se pretende) "mecânica" que Tati associa ao espaço urbano. Sublinhando o movimento que é o efectuado pelo próprio Tati do campo para a cidade, a família Arpel podia ser uma das famílias de "As Férias do Sr Hulot" uma vez regressada a casa, e há neles, nos Arpel, uma "plenitude" de personagens que se tornará impossível no universo pulverizado e desconjuntado de "Playtime".
Esse movimento campo/cidade é marcado ainda de outra maneira. Há duas cidades em "O Meu Tio", a antiga (de onde emerge Hulot), rústica, "popular", e a moderna (onde vivem os Arpel), sofisticada, "elitista". A primeira é uma espécie de "persistência" do campo e da ruralidade, uma aldeia em ponto grande, a segunda um espaço de onde qualquer memória desse (ou doutro) tipo foi apagada, visto que só existe o "contemporâneo" e o "moderno". E este, de certa maneira, é o confronto essencial de "O Meu Tio", e um dos seus principais conflitos "poéticos" (o outro, obviamente, é de carácter antropológico mais puro e mais abstracto: os humanos em ambiente mecanizado, surpreendidos pela teimosa persistência da sua humanidade). Embora as duas cidades possam ser unidas por um movimento de câmara, não há verdadeira comunicação nem circulação, são sempre dois mundos distintos, estanques, um mundo em vias de ser apagado pelo outro. Os únicos que circulam e passam à vontade de um mundo para o outro são Hulot, agente do caos, e um grupo de miúdos e de cães que periodicamente mobilizam a câmara de Tati ou lhes cruzam os enquadramentos. Hulot, as crianças e os animais: em "O Meu Tio" equiparam-se, são uma espécie de memória, uma lembrança de uma liberdade e de uma vida "antigas". Que aqui ainda têm um "décor" (espécie de evocação neo-realista, nalguns planos singularmente desolada) mas cujos equivalentes em "Playtime" (as floristas, os pedreiros) já não terão, remetidos para cantos e esquinas da grande paisagem urbana.
Entre a nostalgia e uma aceitação mais ou menos melancólica do "presente" nasce o magistral burlesco de "O Meu Tio". A desarrumação da ordem, a orquestração da desordem. Do "gag" minimalista ao maximalista, "O Meu Tio" contém alguns dos mais clássicos momentos do humor "tatiano". É começar a contá-los. Não há nada de remotamente parecido com isto em lado nenhum, o burlesco (e toda a comédia, se calhar) é uma tradição morta.”

Por: Luís Miguel Oliveira (PÚBLICO)

http://cinecartaz.publico.clix.pt/criticas.asp?id=18921&Crid=1&c=4162

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Apoio: A Cadeira de Van Gogh - Associação Cultural

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Próxima sessão, dia 31 Julho 09: Dias da Rádio, de Woody Allen

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Cinemascópio: Ciclo Reposições ao Ar-Livre- Próxima 6ªf, 17 Julho: Arizona Dream, de Emir Kusturica

2009-07-16T01:15:00.002+01:00

Ciclo Reposições ao Ar-Livre

SESSÃO DE SEXTA-FEIRA 17 Julho.2009 - 21H45

A Cadeira de Van Gogh - Associação Cultural
Rua de Morgado de Mateus, nº41
4000-334 Porto

(TOQUEM À CAMPAINHA, PF)

ENTRADA LIVRE

Arizona Dream
Arizona Dream

Realizador: Emir Kusturica

Com: Johnny Depp, Jerry Lewis, Faye Dunaway, Lili Taylor, Vincent Gallo, Paulina Porizkova, Michael J. Pollard

Duração: 134 minutos

Idade: M/16

Género: Drama/ Comédia

País de Origem: EUA, França

Ano: 1993

Sinopse:

“Como sonham os peixes?
Johnny Depp é Axel Blackmer, um jovem nova-iorquino obcecado por peixes. Ele monitora o comportamento deles, mas a sua maior curiosidade é saber como eles sonham. Axel viaja para o Arizona para o casamento do seu tio [Jerry Lewis] e lá encontra Elaine [Faye Dunnaway], uma viúva que mora com a filha Grace [Lili Taylor]. O casamento do tio é na verdade um ardil para Axel entrar nos negócios da família, mas para Axel esta viagem tornará-se-à em algo bem mais complexo do que comprar e vender carros. Um filme com toques de surrealismo e que foge da narrativa e dos personagens comuns.”

http://cultura.fnac.pt

Uma iniciativa: Pintar o 7 - Cinema, Cidade, Cultura

Apoio: A Cadeira de Van Gogh - Associação Cultural

CONTAMOS COM A VOSSA PRESENÇA!

Próxima sessão, dia 24 Julho 09: Mon Oncle, de Jacques Tati

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